jueves, 20 de mayo de 2021

 


NUEVE/OCTAVOS MAGAZINE & LA BUHARDILLA DEL BOHEMIO CELEBRAN EL 50º ANIVERSARIO DEL ÁLBUM ‘AQUALUNG’ DE JETHRO TULL..

 

La Revista ‘nueve/octavos magazine’  & El Ciclo Radial La Buhardilla del Bohemio’ invitan a sus lectores y oyentes a disfrutar de una propuesta única. Un trabajo conjunto entre la Radio y la Revista que les permitirá escuchar y leer los contenidos desarrollados. Se trata de un Ciclo de Programas Radiales acompañados por su correspondiente relato en la Revista.

 

El Ciclo Inauguró con 4 Programas dedicados durante el Mes de Abril a ‘Summer Jam Festival, Watkins Glen, New York 1973’ y continúa con 2 Programas durante el Mes de Mayo dedicados a ‘Celebrar el 50º Aniversario del Álbum ‘Aqualung’ de la agrupación británica de rock progresivo Jethro Tull.

 

Recordemos que en Marzo de 1971, la agrupación Jethro Tull lanzó su cuarto álbum titulado ‘Aqualung’ ampliamente considerado como un álbum más que conceptual, que presenta como tema central ‘la distinción entre Religión y Dios’ siendo considerado uno de los álbumes más cerebrales que jamás haya llegado a millones de oyentes de rock. Su temática explora la lucha de los sectores más desprotegidos de la sociedad, la angustia adolescente y los problemas de la educación formal. Fue el álbum que definió el estilo de Jethro Tull con canciones que cambian en su intensidad y pasan desde lo eléctrico hacia lo acústico, convirtiéndose en una de sus características más peculiares. El éxito obtenido por ‘Aqualung’ marcó un punto de inflexión en la carrera de la agrupación.

 

El Primero de los Programas dedicados a tamaño álbum recibe el título: ‘JETHRO TULL EN VIVO EN LA BUHARDILLA DEL BOHEMIO: AQUALUNG 50º ANIVERSARIO’.

El programa recoge una interpretación en directo del clásico álbum ‘Aqualung’ ofrecida el día 19 de Septiembre de 2005 ante una audiencia de 40 invitados especiales en los XM Studios de Washington DC. El álbum fue obsequiado a todos aquellos que tuvieran alguna de las entradas de los conciertos ofrecidos por la agrupación entre Octubre y Noviembre de 2005 en Estados Unidos. Los beneficios de la Edición Europea se destinaron a diversas organizaciones de caridad para mendigos sin hogar.

El Segundo de los Programas dedicados a esta ‘EDICIÓN ESPECIAL JETHRO TULL’ se centra en el álbum de estudio, recibe el título: ‘JETHRO TULL EN STUDIO EN LA BUHARDILLA DEL BOHEMIO: AQUALUNG 50º ANIVERSARIO’.

En este Programa descubrirán una exhaustiva reseña del álbum y las sesiones en el estudio, desmenuzando canción por canción las 11 que lo integran e interpretando la amplitud del alcance histórico del álbum. Además, su conductor se ocupa de presentarnos 11 temas de las sesiones para el disco que por un motivo u otro no fueron publicadas.

Un Ciclo Radial ampliamente recomendado que seguramente agradará a todo aquel oyente de rock progresivo que se precie de tal..

 

La Buhardilla del Bohemio’ lleva desarrollados más de 170 programas dedicados a difundir los mejores momentos de la historia del rock, con canciones de las bandas más famosas en las décadas de los 60’s, 70’s, 80’s y algo más.. El Programa es emitido todos los días Miércoles por FM 107.5 Radio Enlace, Madrid, España, a las 11:30 am (7:30 am hora de Argentina).

Puede ser escuchado a través de www.radioenlace.org

o tras el siguiente enlace en Ivoox:

https://www.ivoox.com/podcast-buhardilla-del-bohemio_sq_f1491959_1.html

Donde están colgados todos los programas para que puedan escucharlos a cualquier hora.

 

A continuación, compartimos como anticipo parte de la nota dedicada al ‘50º Aniversario de la Obra Maestra de Jethro Tull: ‘Aqualung’, que podrán leer en su totalidad en el próximo número de la revista ‘nueve/octavos magazine’ - Edición: Junio de 2021.

 

 

‘AQUALUNG’, A 50 AÑOS DE LA OBRA MAESTRA DE JETHRO TULL..!!

 

EN 1971 LA AGRUPACIÓN JETHRO TULL PRESENTÓ SU ÁLBUM TITULADO ‘AQUALUNG’, UNO DE LOS MÁS SENSIBLES RELATOS ELECTRO ACÚSTICOS DEL ROCK PROGRESIVO DE TODOS LOS TIEMPOS..

 

Por: Fernando Lázaro & Luychy.

 

“En el comienzo, el Hombre creó a Dios a su imagen y semejanza. Le dio diversidad de nombres para llamarlo ‘Señor de Todo sobre lo que en la Tierra hay’ y el Hombre vio que era bueno tener un Dios..”

 

De esta manera irreverente, Ian Anderson reinterpreta el relato bíblico para introducirnos en ‘Aqualung’, el álbum más exitoso en la carrera de Jethro Tull.

‘Aqualung’ es el cuarto trabajo de estudio grabado por la agrupación británica de rock progresivo Jethro Tull, que fue lanzado el día 19 de marzo de 1971 a través del sello Chrysalis Records y se convirtió en su disco más valorado hasta ese momento.

Fue grabado entre Diciembre de 1970 y Febrero de 1971 en los Island Studios de Island Records, Londres; producido por Ian Anderson & Terry Ellis, tiene una duración de 42’:55” y alcanzó el puesto #4 en las listas de Reino Unido y el puesto #7 en los Estados Unidos.

El éxito obtenido por su anterior trabajo de estudio titulado ‘Benefit’ (1970) mantuvo a Jethro Tull de gira por Reino Unido, Europa Continental y Estados Unidos. Dicho tour ayudó a Jethro Tull a ganar una buena reputación como banda en vivo de la floreciente escena del rock progresivo. Su memorable presentación en el Festival de la Isla de Wight en Agosto de 1970 marcó un hito en la agenda de la agrupación.

El siguiente paso debería ser muy ambicioso y, Ian Anderson vislumbró la posibilidad de plasmar un documento de contenido social. Anderson pretendía dejar una huella profunda como cantautor comprometido y con ese enfoque impulsó a la agrupación a dar vida al que se convertiría en su disco más aclamado. En el preciso momento en que la banda necesitaba recuperar aliento tras la agotadora gira, Jethro Tull se dirigió al estudio para grabar su histórico cuarto álbum. En Diciembre de 1970, ingresaron a los nuevos estudios de Island Records en Basing Street, en el área de Notting Hill, Londres. Las instalaciones estaban lejos de ser las ideales para una banda que pretendía concretar su trabajo más ambicioso hasta la fecha. “Estábamos es esa sala del piso de arriba que no era un lugar cómodo para trabajar en términos de sesiones de grabación..” contó Ian Anderson, “..en el pequeño y acogedor estudio del piso de abajo, se encontraba Led Zeppelin grabando el que se convertiría en su cuarto álbum”. Entonces nació la anécdota: Jimmy Page ingresó al estudio en el momento preciso en que Martin Barre estaba grabando el famoso solo de guitarra de “Aqualung”. “Jimmy Page nos brindó su apoyo aunque eso resultó ser un tanto intimidante ya que todos admirábamos a Led Zeppelin y veíamos en ellos una raza superior en términos de habilidad musical, estábamos en cierto sentido, tratando de emular o acercarnos a ese tipo de estándar” relató Anderson en su momento. Cuentan que Jimmy Page, desde la sala de control, saludó con su mano a Martin Barre mientras este tocaba, tras lo cual Barre dejó de tocar durante apenas un segundo y, con su mano derecha respondió el saludo mientras mantenía el sonido con su mano izquierda. El solo de guitarra definitivo fue, precisamente, esta primera toma. De hecho, hay una breve interrupción con una respuesta inmediata durante dicho solo. Ian Anderson ha bromeado acerca de este episodio en una entrevista diciendo: “Si subes lo suficiente el volumen del disco, puedes incluso oír la voz de Martin saludando”. Más allá de la anécdota, el mencionado solo y el riff de guitarra con que abre la placa son de los más representativos de Jethro Tull y de la música rock en general. Martin Barre es un guitarrista excepcional que ha marcado con su impronta el sonido de Jethro Tull durante más de cuatro décadas. Debe valorarse que Martin Barre haya anunciado que durante 2021 realizará un tour celebratorio del 50º Aniversario del álbum ‘Aqualung’ junto a su agrupación Martin Barre Band que incluye a Clive Bunker & Dee Palmer: Otro verdadero motivo para celebrar..!!

 

AQUALUNG, my friend..

 

A finales de 1970, el bajista Glenn Cornick se alejó de Jethro Tull e ingresó Jeffrey Hammond-Hammond, un entrañable amigo de Ian Anderson, para sustituirlo. De esta manera la agrupación quedó integrada por Martin Barre en guitarra eléctrica; John Evan en piano, órgano y mellotrón; Clive Bunker en batería y percusión; Ian Anderson en voz, guitarra acústica y flauta; y el nombrado Hammond-Hammond a cargo del bajo. Dave ‘Dee’ Palmer, quien venía interactuando con la banda para más tarde ingresar como miembro estable de la agrupación, se encargó de realizar los arreglos y la conducción orquestal.

El abanico estilístico de la música de Jethro Tull abarca desde blues & folk rural hasta jazz, atravesando psicodelia, hard rock & arreglos orquestales; en definitiva: auténtico rock progresivo..!!

El álbum ‘Aqualung’ está estructurado en dos partes: La Cara A del Long Play original fue subtitulada igual que el disco, mientras la Cara B fue denominada ‘My God’.

La obra se desarrolla a partir de tres temas centrales: Dios, Religión y Pobreza. Esta serie de temas controversiales hacen de ‘Aqualung’ un disco nada ortodoxo, valorado y cuestionado, incluso censurado, pero por sobre todo lo convierten en una denuncia social. Un disparador temprano de hacia dónde se dirigía el rock progresivo de los años ’70.

Inteligentemente, el grupo ordenó las 11 canciones que integran el disco de una manera cohesiva, con la primera mitad ofreciendo viñetas que vinculan personajes e historias y una segunda presentando sus críticas a la religión organizada.

 

‘Aqualung’ es un álbum melodramático y esencial dentro de la discografía de Jethro Tull que significó la transición hacia una etapa netamente conceptual. Uno de los más sensibles trabajos electroacústicos del rock progresivo de todos los tiempos..

 

Tal vez deba ampliamente considerarse a ‘Aqualung’ como un álbum más que conceptual, que presenta un tema central como ‘la distinción entre la religión y Dios’ siendo definido como ‘uno de los álbumes más cerebrales que jamás haya llegado a millones de oyentes de rock’. Su temática explora la lucha diaria de los sectores más desprotegidos de la sociedad. Fue el álbum que definió el estilo de Jethro Tull con canciones que cambian en su intensidad y pasan desde lo acústico hacia lo eléctrico, convirtiéndose en una de sus características más peculiares. El éxito obtenido por ‘Aqualung’ marcó un punto de inflexión en la carrera de la banda.

La idea central del álbum nace de la imaginación de Ian Anderson inspirado por el trabajo fotográfico de su por entonces esposa Jennie Franks, quien se encontraba retratando vagabundos y marginados en las calles de Londres y la rivera del Río Támesis.

La icónica portada del disco retrata al personaje principal a través de un óleo realizado por Burton Silverman, un pintor realista considerado uno de los más destacados de su tiempo. Se han vendido más de siete millones de copias de ‘Aqualung’ en las últimas cinco décadas, por lo tanto, su obra de arte rodó por todo el mundo y se ha convertido en una de las carátulas más reconocidas en la historia de la música rock, migrando de álbumes de vinilo a cassette y luego a CD. El diseño incluye tipografía de estilo gótico antiguo que referencia el aspecto religioso abordado por la obra.

El álbum ‘Aqualung’ abre con la canción homónima. “Aqualung” (6’:34”) es un sensible análisis de la deriva de la sociedad. La temática de un desheredado transformada en una soberbia canción. Comienza con el magnífico riff de guitarra ejecutado por Martin Barre y va creciendo a medida que nos describe al vagabundo. En la primera estrofa, Ian Anderson nos cuenta que Aqualung se encuentra sentado en un banco en el parque mirando a las niñas con malas intenciones, descubriendo el perfil pedófilo del protagonista. El personaje es un mendigo de abrigos rotos y sin hogar. Un hombre anciano y rengo, cuyo pulmón herido resopla con sonido acuático al respirar. Con acordes de guitarra acústica y piano, comienza entonces una parte delicada. La canción sigue de un modo más animado hasta desembocar en el superpotente solo de guitarra eléctrica de Martin Barre. El brillo y la delicadeza musical generados por las manos de John Evan sobre las teclas le otorgan una belleza singular. La batería de Clive Bunker es precisa como un reloj. El bajo ejecutado por Jeffrey Hammond-Hammond no le pierde ritmo ni pulso. Entonces, vuelve el motivo principal de la canción “Aqualung, my friend..” evoca Ian Anderson y luego reaparece el riff con que abrió la pieza para cerrarla a modo de epílogo.

Con la particularidad de no tener los típicos pasajes de flauta, la canción “Aqualung” se convirtió en un ‘himno’ dentro de la carrera musical de Jethro Tull. Su ingeniosa letra teatral resaltada por la risa sarcástica y el memorable ‘ti ri ri ri ’ interpretados por Ian Anderson son momentos sublimes. Podría decirse que esta canción ofrece un magnífico viaje por sí misma.

A través de historias sencillas la obra aborda problemáticas complejas. A veces lo hace de forma directa, otras de manera subrepticia, como en el segundo tema de la placa titulado “Cross-Eyed Mary (4’:06’) donde la frase “..and the jack-knife barber drops her off at school” aludiría a la práctica del aborto. Mary está bizca y es una prostituta precoz. Ian Anderson vuelve a explorar la lucha diaria de los menos afortunados de nuestra sociedad. Lo hace de manera pensante, alejado de términos vulgares. Le otorga algo de ‘heroísmo’ a la protagonista de la canción y también se las ingenia para añadir una dosis de humor en clave de solfa. Esta canción comienza con una genial melodía de Ian Anderson a la flauta, a la que se van uniendo el resto de los instrumentos gradualmente. En ella se menciona nuevamente al personaje Aqualung, lo que puede interpretarse como un puente musical entre la apertura del disco y la pista que le sigue.

“Cheap Day Return” (1’:21”) es una breve y bella canción acústica que resume de modo casi autobiográfico, un viaje a Blackpool que Ian Anderson realizó para visitar a su padre que se encontraba internado en el hospital. El título refiere a una tarifa diferenciada de los ferrocarriles británicos que rige en relación con los tiempos de viaje en este medio de transporte.

“Mother Goose” (3’:51”) Otra canción acústica con cierto aire folk que narra diversas situaciones surrealistas que suceden en el parque de Hampstead Fair. Menciona personajes delirantes nacidos en la prodigiosa mente de Ian Anderson o tomados de la literatura universal. La obra alude reiteradamente a geografías típicas del lugar, como el ‘Piccadilly Circus’ (la mayor intersección de tráfico y calles en el corazón del West End), que encarnan ese espíritu urbano o de ‘sin techo’ que representa Aqualung y que Anderson quiso expresar en este trabajo. Además, su mención no debe ser casual, ya que justamente allí se encuentra la estatua conocida como ‘Eros’ (llamada en ocasiones ‘El Ángel de la Caridad Cristiana’). En esencia “Mother Goose” expresa el gran problema de la juventud de entonces: la educación y la falta de empleo. Tal vez Ian Anderson quiso enfatizarlo al utilizar la figura retórica de ‘cien colegialas llorando juntas en la fuente como si fuesen una’. “Mother Goose” es la composición acústica más larga del disco que sin dudas ya hace pensar en algunos de sus trabajos posteriores. Transmite un buen ritmo brindando sensación de alegría y bienestar. En una entrevista previa al lanzamiento del álbum, el tecladista John Evan comentaba: “Musicalmente, los arreglos serán más complejos, al igual que las canciones”.

“Wond’ring Aloud” (1’:53”) acerca de esta breve canción acústica y orquestada, Ian Anderson ha dicho: “Es una tontería personal: Una canción de amor. Es difícil escribir canciones de amor si escuchas muchas canciones. El amor es algo tan propio. Creo que está bien interpretada y bien cantada. Es una bonita canción”. Si Anderson lo dice, qué mas agregar.

“Up To Me” (3’:14”) Sus versos tratan el tema del egoísmo y con cierta ironía comparan el estilo de vida del hombre rico con la vida del mendigo. Musicalmente, una canción que comienza con una flauta a la que van uniéndose piano, batería y una guitarra con cortos fraseos en lo que parece ser una breve y caótica conversación de los instrumentos. Entonces llega Ian Anderson y una guitarra acústica para poner orden y empezar a cantar una bella melodía apoyado por la flauta que enseguida vuelve al motivo del principio, esta vez con más fuerza, si cabe. Hacia la mitad, llega un trayecto más relajado y tranquilo que desemboca nuevamente en el motivo que abre la canción. Con ciertos aires de travesura, esta canción cierra de una forma magnífica la Cara A del vinilo.

 

MY GOD..!!

 

La Cara B del álbum fue titulada My God. Contiene tres canciones: “My God”; “Hymn 43” y “Wind Up” centradas en una visión particular e irreverente sobre la religión, mientras “Slipstream” y “Locomotive Breath” tratan sobre la finitud de la vida, un tema recurrente en las composiciones de Ian Anderson.

Tras décadas de especulaciones acerca del contenido de las letras escritas para ‘Aqualung’, Ian Anderson realizó una transmisión en vivo con motivo del 50º Aniversario del álbum en la que explicó qué hay detrás de cada canción. El disco contiene letras extraordinarias y comprometidas. Pero hay una que se destaca: “My God” (7’:08”) en su momento fue tildada de sacrílega y ocasionó la quema de varias copias de esta magnífica obra. Anderson explica que la canción no se trata de una crítica hacia Dios, sino a la religión. Pero no necesariamente a la religión como tal, sino a quienes hacen uso de ella para empoderarse, abusar de otros y ejercer su control. En la canción propiamente dicha, la garganta de Ian Anderson arremete contra la religión institucionalizada con la furia típica de la generación a la que Anderson & Jethro Tull representan para denunciar en sus estrofas ‘The bloody Church Of England’ (‘La sangrienta Iglesia de Inglaterra’). “My God” es quizás, el nudo gordiano. Tiene más circunferencias con el ateísmo, pero nada más. No es la postura de un ateo odioso. Es la canción más larga del disco, con su escalofriante solo de flauta, la tensión generada por la guitarra eléctrica y un curioso coro de voces que parodian un canto sacro, “My God” es una de las creaciones más atractivas e ingeniosas del álbum.

“Hymn 43” (3’:14”) es una canción intensa, eléctrica y con poderosos riff de guitarra por parte de Martin Barre. Anderson la definió como ‘un blues para redimir a Jesús de los hipócritas buscadores de gloria que usan su nombre’. Puede interpretarse como un parafraseo de la oración, o en cierta forma, de un himno de alabanza a Dios frecuentemente cantado en las misas protestantes. “Hymn 43” junto a ”Mother Goose” como Cara B fue publicado como primer sencillo el día 14 de Agosto de 1971.

“Slipstream” (1’:13”) es un breve corte donde predomina la guitarra acústica y los arreglos orquestales de Palmer. Parece hablar de la estructura piramidal de la Iglesia. Una Iglesia que se apropia de los pobres para postergarlos. Expone la maniobra de aquellos que utilizan el dinero para ganar rango dentro de la estructura eclesiástica en lugar de destinarlo a quienes lo necesitan. Anderson asocia la idea de la postergación a la creencia de una vida después de la muerte. También es el puente musical que conduce a través de su final psicodélico y, por qué no, onírico a otra pieza maestra: “Locomotive Breath” (4’:23”) es la verdadera locomotora del disco. Con una bella introducción de piano a modo jazz al que se suma la guitarra, inicia el viaje. Un viaje enérgico y poderoso. Una verdadera metáfora. La letra habla de la vida de un hombre que se desmorona y se dirige hacia la muerte como una locomotora sin frenos.. Ian Anderson también le añade otra interpretación a su temática. Le atribuye ser el tren descontrolado de la vida manejado por el Capitalismo: “Se basaba en este tipo de ideas imparables” dice “Si subes a ese tren loco es probable que ya no puedas bajar de él.. ¿Hacia dónde va..? Uno podría pensar que el crecimiento de la población habría traído prosperidad, felicidad, comida y una distribución de la riqueza razonable, pero ha sucedido todo lo contrario..”. La canción también presenta un motivo al que Anderson acude asiduamente y respecto a ello ha dicho: “Las canciones de trenes han estado con nosotros desde el comienzo del blues y yo he escrito una buena parte de ellas. Sigo retomando el tema, porque el transporte público es parte de mi vida. No conduzco, así que confié en autobuses, trenes y similares a lo largo de mi historia”.

El proceso de grabación de “Locomotive Breath” también se anticipó a su época y se grabó de una manera inusual para el momento. La pista se ensambló a partir de sobregrabaciones, ya que la mayoría de las partes de la canción fueron grabadas por separado. La canción fue diseñada para que replique el traqueteo del ritmo de un tren, y al parecer, los músicos no lograban replicarlo al tocar todos juntos. Es uno de los temas más presentes en los conciertos de Jethro Tull. “Locomotive Breath” junto a “Wind Up” como Cara B fue el segundo simple del álbum.

“Wind Up” (6’:01”) significa el cierre del disco. El truco final. Ian Anderson introduce en la canción una risa irónica y concluye el trabajo usando otra de sus frases: “No soy yo, a quien tienes que engañar los Domingos”.

La obra maestra de Jethro Tull había sido consumada. A 50 años de su lanzamiento, el álbum ‘Aqualung’ continúa siendo un álbum actual que retrata una problemática actual. Un trabajo vigente. Duro, pero sensible. ‘All Music Guide To Rock’ se refiere específicamente a ‘Aqualung’ y su examen de la religión y Dios como entidades separadas cuando señala que el álbum probablemente hizo que muchos adolescentes lucharan con estas ideas por primera vez en sus vidas.

Tal vez, la gran definición de ‘Aqualung’ haya salido del propio Ian Anderson cuando plantea la escena en la que el personaje principal de la historia se planta ante la imagen de Cristo en la Cruz y le dice: “Discúlpame, pero yo no soy como uno de esos que vienen los Domingos a rezar a tu Iglesia”..a lo que Jesús responde: “Despreocúpate; Yo tampoco soy uno de esos..”

Serio e inteligente, el álbum es una declaración audaz de Jethro Tull. Una banda formada años antes en el noroeste de Inglaterra, en Blackpool, que desafiaba cierta hegemonía con su propuesta. En primera instancia, que un grupo progresivo británico se expresara sobre la falta de vivienda y criticara a la religión organizada, podría llegar a verse con algo de pesimismo en la intención de cualquier artista que buscara conectarse con la audiencia estadounidense. Pero Jethro Tull lo logró. Escogió su camino y, delante de muchos de sus contemporáneos, se ubicó en la senda que Led Zeppelin había abierto. Ian Anderson lo rememora de esta manera: “El aventurero Led Zeppelin irrumpió en Estados Unidos abriendo el camino para bandas como Jethro Tull. A ellos no les preocupaba si te gustarían o no, simplemente, salieron y se abrieron camino a través de los Estados Unidos de la forma en la que Cream lo había hecho uno o dos años antes”. Tal vez, su actitud auténtica haya sido la clave.

viernes, 16 de abril de 2021

 



‘SUMMMER JAM FESTIVAL 1973, UNA MULTITUD JAMÁS ANTES REUNIDA..’

 NUEVE/OCTAVOS MAGAZINE edición digital – Jueves 8 de Abril de 2021


LA MULTITUD MÁS GRANDE JAMÁS REUNIDA EN UN FESTIVAL DE ROCK SE PRODUJO EN WATKINS GLEN, NUEVA YORK, EN EL VERANO DE 1973 DUPLICANDO EL ARRIBO DE JÓVENES QUE SE HABÍA DADO EN WOODSTOCK, CUATRO AÑOS ANTES.

 

Por Robert Santelli.

 

La multitud más grande reunida en un festival de Música Rock se produjo en Watkins Glen, Nueva York, en el mes de Julio de 1973, cuatro años después del Festival de Woodstock. Una multitud de más de 600.000 jóvenes se reunieron en el Grand Prix Raceway de Watkins Glen para un festival de un día conocido como Summer Jam.

Los grupos que actuaron en la ocasión fueron Grateful Dead, The Allman Brothers y The Band. Muchos historiadores afirmaron que Watkins Glen, incluso fue la mayor reunión de personas en la historia de los Estados Unidos. En esencia, eso significaba que el día 28 de Julio, una de cada 350 personas que vivían en América en ese momento estaba escuchando los sonidos de rock en el Circuito de Carreras del estado de Nueva York. Teniendo en cuenta que la mayoría de los que asistieron provenían del noreste, y que la edad promedio de los presentes era de entre diecisiete y veinticuatro años, cerca de uno de cada tres jóvenes de Boston a Nueva York estaban en el Festival, y, sin embargo aparte de las estupendas cifras de asistencia, la importancia musical y social era mínima en comparación, digamos, con Woodstock. Watkins Glen fue más importante por lo que ‘no’ era. No fue un evento de creación de historia en un estricto sentido musical. A diferencia de Woodstock, donde la alineación consistía en cerca de treinta actos, la facturación de Watkins Glen estaba compuesta por solo tres supergrupos. The Allman Brothers, The Band y Grateful Dead fueron los actos establecidos (los dos últimos fueron veteranos de Woodstock); todos habían estado en el circuito de giras y en los estudios de grabación durante al menos tres años. Los fanáticos de los grupos, quizás los más dedicados en 1973, probablemente los habían visto tocar en vivo al menos una o dos veces antes de Watkins Glen.

En resumen, no hubo una carrera demasiado emocionada hacia el escenario generada por su mera presencia en Watkins Glen. Cada uno de los tres grupos en Watkins Glen tocó sets inusualmente largos. Grateful Dead actuó durante cinco horas, Allman Brothers actuaron durante cuatro horas y The Band cerca de tres. Incluido un descanso obligado de treinta minutos debido a una tormenta eléctrica.

Woodstock, a diferencia, había tenido un cambio continuo de formaciones y estilos musicales. Cada vez que un nuevo artista se presentaba frente a la masiva multitud, se producía una revitalización, creando una renovación de la fe en el evento y en el poder de la música. La energía se veía obligada a fluir. En Watkins Glen, un sentimiento de monotonía y tedio constante desafió el interés de los espectadores en la música y los procedimientos en el escenario. Los solos instrumentales, largos y sinuosos eran frecuentes. El calor, la falta de confort y las condiciones de hacinamiento opacaron los momentos emocionantes. Muchos de los 600.000 asistentes apenas podían ver el escenario, y mucho menos a los músicos. Y algo más, seguramente importantes, los asistentes al festival solo tuvieron un día para empaparse del aura del festival de rock. Muchos asistentes a menudo estaban demasiado ocupados haciendo y viendo otras cosas como para ponerse a escuchar seriamente la música por largos períodos de tiempo. Woodstock también había tenido lanzamientos en LP y una película para continuar su significado. Ninguna de esas propiedades perdurables surgió en Watkins Glen, aunque Grateful Dead y Allman Brothers tenían su propio sonido y a pesar de haber grabado los sets. The Grateful Dead no dieron su consentimiento para realizar un álbum de Watkins Glen. Su participación fue crucial, ya que representaban más de un tercio de la música y del tiempo realizado en el escenario. CBS filmó algunas imágenes del evento, pero los Dead se negaron a permitir que se lanzara comercialmente ninguna otra película. Su posición inquebrantable sobre el asunto se remonta a Monterrey, cuando la banda se había negado a participar en la película de DA Pennebaker sobre el evento ‘Monterrey Pop’. Grateful Dead siempre había exigido un control editorial completo de su música y actuaciones en vivo. Cuando se les negó tal poder, simplemente se negaron a ser parte del proyecto.

Watkins Glen no inscribió en la parte política de la cultura juvenil como lo habían hecho algunos festivales en el pasado. Tener 600.000 jóvenes al mismo tiempo en un lugar habría sido el sueño supremo para cualquier radical de los fervorosos años sesenta. Pero eso era todo: Los años sesenta habían terminado. La Guerra de Vietnam había terminado. El acuerdo de paz se firmó en Enero de ese año. No es que haya una falta de problemas. Watkins Glen podría haber sido una respuesta inmensamente poderosa a Nixon y al escándalo Watergate. Pero la juventud de la nación se había cansado de ser políticamente activa. Muchos habían saboreado la delicia parcial de ver algo de paz en el sudeste asiático y sintieron que era suficiente. La palabra más comúnmente asociada con el Watkins Glen Festival, según los reporteros que cubrieron el evento, fue “fiesta”.

Para algunos jóvenes, Watkins Glen fue una oportunidad de experimentar un festival de rock en forma abreviada y disfrutaron de cada minuto. Todo esto se sumaba al hecho de que las protestas, los carteles, el desafío y el verdadero celo revolucionario de los jóvenes había disminuido. Se ingresaba a la década del ‘Yo’. La década de 1970 finalmente había llegado.

Pero Watkins Glen señaló que la música rock estaba viva y bien, y que todavía quedaba dentro de la cultura juvenil un deseo aparentemente inextinguible de asistir a festivales de rock. Los jóvenes todavía se maravillaban ante el poder de tales reuniones. Los jóvenes querían estar allí.

Shelly Finkel y Jim Koplik, los dos promotores de Summer Jam Festival, habían estado produciendo conciertos de rock en Connecticut y habían establecido una audiencia regular. En 1972 organizaron una serie de espectáculos en Hartford, uno de los cuales fue un concierto de Grateful Dead. Durante su actuación, los miembros de The Allman Brothers Band que estaban detrás del escenario fueron invitados a salir para una reunión informal. La recepción que ellos recibieron de parte de la multitud convocada por los Dead fue sorprendente. A Finkel y Koplik les encantó lo que vieron y escucharon. Los promotores hablaron con los miembros de Grateful Dead y The Allman Brothers para saber si estaban interesados en un gran concierto al aire libre que presentase a las dos bandas actuando por separado y luego, al final, fusionándose para una espectacular y memorable jam. Los promotores agregaron que las ganancias podrían llegar a ser astronómicas para todos los involucrados si se eligiera un sistio de conciertos lo suficientemente grande. Ambas bandas estaban muy interesadas. Finkel y Koplik buscaron alto y bajo para hallar un sitio apropiado. Se consideró el Pocono International Raceway, pero cuando los promotores se enteraron de la disponibilidad del Watkins Glen Grand Prix Raceway, inmediatamente, hicieron planes para hablar con los oficiales de la pista de carreras de allí. Tanto la ciudad de Watkins Glen como la gerencia de la pista de carreras estaban acostumbrados a manejar grandes multitudes, y dado que el evento iba a ser una aventura de un día, pocos obstáculos impidieron la firma de un contrato.

Finkel y Koplik prometieron limitar la venta a 150.000 boletos. En privado, los oficiales de Raceway dudaron si los promotores de rock podrían vender incluso 100.000 boletos. Pero más poder para ellos. Ciertamente pagaron una suma considerable para alquilar las instalaciones durante el día.

Para completar el resto de la factura, Koplik y Finkel sugirieron que se agregue al show otra banda o músico, tal vez Leon Russell. Los Dead y Allman Brothers estuvieron de acuerdo con el concepto, pero sintieron que la agrupación The Band sería más apropiada que Russell. Además, eran muchachos locales que residían en el Estado de Nueva York, en el area de Woodstock, y tenían un grupo de seguidores del noreste más concentrado que Leon Russell. The Band fue contactada con la idea y rápidamente firmó un contrato.

Dos semanas antes del festival se vendieron más de 100.000 boletos a un valor de 10 U$S cada uno. Los promotores obtuvieron permiso para poner a la venta 25.000 boletos adicionales el día del espectáculo, ya que era obvio que aparecerían muchas más personas de las que originalmente se anticiparon. Watkins Glen iba a ser el primer gran evento de música rock en Nueva York que se produciría desde que el Estado aprobó el Código Mass Gathering luego de Woodstock. Koplik y Finkel se adhirieron a las estrictas reglas de una manera precisa, casi religiosa. Se alquilaron más de mil baños portátiles y se excavaron doce pozos para aumentar el suministro de agua del circuito, además de ubicar estratégicamente más de mil galones de agua de manantial en todo el terreno. Los promotores, incluso, construyeron un helipuerto improvisado. Henry Valent, presidente de Watkins Glen Grand Prix Corporation, quedó impresionado. Jim Koplik y Shelly Finkel parecían ser verdaderos profesionales. Watkins Glen no sería como esos otros festivales de rock sobre los que había leído. Sería diferente, pensó. Sería una operación de primera clase.

La gente comenzó a llegar una semana completa antes del festival. Muchos pulgaron en la carretera para ser llevados, otros condujeron en caravanas tempranamente para seleccionar un buen lugar para acampar. El Martes antes del espectáculo, se abrieron las primeras treinta entradas. En lugar de hacer que los jóvenes se muevan por la ciudad, los promotores y Valent acordaron abrir un poco antes. Pero había motivos para la consternación. Summer Jam, como se llamaba, se suponía que era un asunto de un día. Los promotores y los oficiales de la pista se habían dado cuenta de que muchos aparecerían temprano, por ello habían preparado campamento de gran tamaño. Pero no pensaron que “tan” temprano. Ni tampoco que iban a ser “tantos”. La multitud creció. El Miércoles, la policía del Estado de Nueva York estimó que cincuenta mil personas estaban en Watkins Glen. El Jueves, la aproximación aumentó más del doble. El Viernes por la tarde estaban seguros que un cuarto de millón de jóvenes habían acampado en el recinto o cerca de él. Los agentes recordaron Woodstock y la pesadilla provocada por los problemas de tráfico. Esto era peor, la fila de automóviles se extendía a casi cincuenta millas mientras el impacto se podía sentir a cien millas de distancia. Comenzaron a rechazar a jóvenes con o sin boleto. No había dudas al respecto, Summer Jam iba a ser más grande que Woodstock. Mucho más grande.

Se programó un control de sonido para el Viernes. La FM Productions de Bill Graham había sido contratada para emplear el Sistema Digital Audio Delay Line, un sistema de sonido computarizado diseñado para que las personas que se encontrasen en el frente y cerca de la torres de altavoces no sean voladas al universo. También permitió a las personas ubicadas en la parte trasera escuchar la música con la misma claridad que las personas más cercanas al escenario. Con tal sistema, los conjuntos de altavoces se configuran a cien yardas de distancia. El primer conjunto de altavoces recibe el sonido del escenario y lo retransmite al segundo conjunto. Este conjunto rebota el sonido al tercer conjunto. Todo esto ocurre con gran precisión. No es discernible para el oído humano que haya un microlapso en el sonido. Tanto para el control de sonido como para el concierto real, el sistema funcionaba como un hechizo.

Cuando los Grateful Dead fueron a hacer su prueba de sonido, más de 100.000 de las 250.000 personas presentes en Watkins Glen ya estaban reunidas frente al escenario. Graham sugirió que bien podría comenzar el concierto un tanto más temprano. Los Dead dieron su consentimiento y la prueba de sonido se convirtió en un concierto de dos horas con algunas interrupciones para equilibrar el muro de sonido.

The Band y The Allman Brothers se sintieron obligados a hacer lo mismo. Entregaron pruebas de una y dos horas, respectivamente. En total, actuaciones de cinco horas antes del festival disfrazado de una prueba de sonido. Tras la prueba, Jim Koplik se sentó en una silla en el remolque detrás del escenario y comentó a Finkel: “Estoy abatido. Siento que todo terminó y realmente lo logramos”. Finkel asintió con una sonrisa cansada. “No puedo creerlo, sin embargo, eso no fue real. Mañana es la realidad. Mañana es el concierto, tenemos que hacerlo todo de nuevo, por lo menos el doble y probablemente para el doble de personas”. Koplik miró a su compañero. Shelly Finkel había caído en un sueño profundo.

The Grateful Dead regresó poco antes del mediodía del Sábado para inaugurar oficialmente Summer Jam frente a 600.000 personas tendidas sobre cada pulgada disponible del circuito de carreras. Estaba la amenaza habitual de lluvias, pero no había nubes oscuras a la vista. En cambio, el sol brillaba intensamente a medida que el calor alcanzaba proporciones perceptibles pero aún tolerables. Extendida sobre la hierba de noventa acres frente al escenario había un mar de jóvenes de exuberante humanidad. Fue una vista impresionante y emocional. Fue aterrador. ¿Qué pasaría si..? Pero los pensamientos negativos fueron dejados de lado.

The Grateful Dead tocó, tocó y tocó durante cinco horas. Jerry Gracía lanzó suavemente solos como solo Jerry García podía hacerlo. Bob Weir lo respaldó con la guitarra rítmica, equilibrando un sonido generalmente tierno. Phil Lesh en el bajo y Bill Kreutzman en la batería le dieron a García pistas de despegue y aterrizaje. Donna Godchaux cantó, y su esposo Keith tocó teclados. El set incluyó “Uncle John’s Band”, “Cassey Jones”, “Friend Of the Devil”, “Ripple”, “Sugar Magnolia”, “Truckin”, “Not Fade Away”, “Me & Bobby Mc Gee”, entre otros.

Los asistentes del escenario tardaron un poco más de una hora en desmontar el equipo de los Dead y preparar el area para el set de The Band. Las cosas iban bien teniendo en cuenta la multitudinaria cantidad de personas. Hubo una marcada disminución en el uso de drogas duras y alucinógenos en Watkins Glen, aunque había muchos distribuidores. El suelo estaba lleno de botellas de Jack Daniel’s y Southern Comfort, signos del gran aumento en el consumo de licor fuerte. Había abundante comida y agua disponible, la mayoría de los inodoros portátiles parecían estar funcionando bien, pero las demoras para usar las instalaciones y las caminatas para llegar a ellos eran los verdaderos problemas. Un viaje de ida y vuelta, que incluía una breve estadía dentro, podía demorar alrededor de tres horas. El sol había superado una serie de nubarrones oscuros y siniestros para cuando The Band subió al escenario. No había transcurrido aún una hora de su set, cuando la lluvia, los truenos y los rayos cayeron con un poder alarmante.

The Band fue forzada a esperar. Treinta minutos después la tormenta pasó, dejando 600.000 cuerpos mojados y por debajo, barro. Antes de la tormenta, sin embargo, cuatro paracaidistas habían saltado desde un Cessna con la intención de aterrizar en los terrenos del festival. Todos llevaban bengalas de colores para marcar tanto sus trayectorias descendentes como el éxito del evento. La multitud los animó al percibir sus formas en el cielo. Pero algo iba mal para uno de ellos. Una de las bengalas estalló prematuramente y encendió sus prendas. Las llamas envolvieron su traje y su cuerpo. Fue una forma terrible de morir.

El set de The Band perdió gran parte de su impacto después de la interrupción de la tormenta. Muchas personas regresaron a los campamentos a preparar la cena y ponerse ropa seca. Otros comenzaron el viaje de vuelta a casa.

The Band ofreció un excelente show de country-rock. La instrumentación fue definida y exacta. Su música auténtica. Ellos no permitían que las formas de las compañías discográficas alteraran su propuesta. Robbie Robertson, Garth Hudson, Levon Helm, Rick Danko y Richard Manuel ofrecieron lo que las almibaradas bandas no podían dar: Música sin adulterar, inconfundible.

Finalmente fue el turno de Allman Brothers. Los hermanos contaban con la reputación de no tener una actuación deslumbrante. Las composiciones de calidad y la excitante interpretación artística de la banda resistieron las críticas mediocres. Dickey Betts había asumido el papel dejado vacante por la muerte de Duane Allman. Era un gran vacío por llenar, pero Dickey lo estaba haciendo. Tenía confianza y por sobre todo agresividad. Él y Greg Allman fueron los líderes que marcaron la dirección del grupo. En términos de comparación, ni los Dead ni The Band midieron la ebullición general de los Allman con la canción “In Memory Of Elizabeth Reed”. Todo salió muy bien.

Eran las dos de la mañana, la multitud se había encogido considerablemente, pero como se había prometido, el evento concluiría con un gran alboroto.

No todos los miembros de Grateful Dead y The Band salieron al escenario, y en realidad, había demasiados músicos cansados para que algo realmente memorable ocurriera. Sí algunos blues. La última canción fue una versión enérgica, sino excesivamente efectiva, de “Johnny B. Goode” de Chuck Berry.

Watkins Glen había robado los titulares de la misma manera que lo había hecho Woodstock cuatro años antes, pero con mucha menos intensidad, dramatismo y durante un período de tiempo mucho más corto.

En el New York Times, Grace Lichtenstein describió: “En ocasiones, la escena en la oscuridad húmeda se parecía a una pintura de Bosch: Cuerpos medio desnudos cubiertos de baba marrón, moviéndose rítmicamente en medio de figuras acurrucadas a sus pies, que dormían por el estupor inducido con el alcohol o los barbitúricos”.

En una era en la que los festivales de rock fueron mastodontes, el Summer Jam Festival, Watkins Glen, New York, 1973 dejó su huella.

Invitamos a descubrir los episodios musicales de Summer Jam, Watkins Glen en La Buhardilla del Bohemio’ y su ciclo de 4 programas radiales dedicados a dicho evento. Esta propuesta en conjunto de ‘nueve/octavos magazine’ y La Buhardilla del Bohemio’ ofrece la posibilidad de leer, escuchar y disfrutar de un gran Festival que seguro les envolverá.

La Buhardilla del Bohemio’ lleva desarrollados 170 programas dedicados a los mejores momentos en la historia del rock de los años 60’s, 70’s y 80’s. Su realizador, Luychy, es un apasionado por la música y eso se manifiesta en la calidad formativa de sus programas.

 

La grilla de emisiones es la siguiente:

Miércoles 7 de Abril: Desarrollo de Summer Jam Festival, Watkins Glen, 1973.

Miércoles 14 de Abril: Programa dedicado a Grateful Dead.

Miércoles 21 de Abril: Programa dedicado a The Band.

Miércoles 28 de Abril: Programa dedicado a The Allman Brothers Band.

 

Escucha ‘La Buhardilla del Bohemio’ en Ivoox o por www.radioenlace.org en Directo:

Todos los Miércoles a las 11:30 a.m. (España) / 7:30 a.m. (Argentina).

 

Escucha el programa a través del siguiente enlace:

 

https://www.ivoox.com/podcast-buhardilla-del-bohemio_sq_f1491959_1.html

jueves, 1 de abril de 2021

 



FABIOLA SIMAC LANZA SU SEGUNDO SIMPLE..

La artista mexicana explora nuevas perspectivas musicales en su carrera solista.


"Nuestra ignorancia es grande cuando nos negamos a abrir la mente."

Lo que podría llegar a ser una frase carente de contenido si no se la pone en práctica, se convierte en una declaración de principios para Fabiola Simac y su proyecto Meliora.. Porque la agrupación que la cantante y violinista fundó y lidera, no teme experimentar con su música y situarse en la vanguardia del Nuevo Rock Progresivo Mexicano.

Tal lo hicieron Curved Air, Gong, Gentle Giant, Van Der Graaf y los argentinos Under Linden, Fabiola Simac introduce el uso de violín como un instrumento casi subversivo en la estructura de su música. Pero no solo eso, Fabiola Simac es capaz de interpretar con versatilidad "Face Of Yesterday" (ese conmovedor tema que Annie Haslam y Renaissance inmortalizaron) tanto como una sofisticada versión de "Song Of The Marching Children" (aquel tema de casi 15 minutos de Earth & Fire) entre otra serie de tributos que la artista viene realizando y pueden visualizarse en plataformas como YouTube.

Es que Fabiola Simac nutre sus raíces musicales, por legado familiar, tanto en el Rock de los años 70's como en el mundo de la Ópera. Con tan solo seis años integró coros, pero no fue hasta los catorce que tomó clases formales de violín. "Un año después, a los quince, formé mi primer banda de Metal Sinfónico llamada Orphen, luego de eso, a los diecisiete años tomé clases formales de canto y piano" nos cuenta Fabiola, quien también se encarga de componer las letras de sus canciones en idioma inglés y español.

Fabiola Simac cuenta con dos sencillos "Clinging To Nostalgia" (2018) y "Solitude" (2020) ambos con Video Oficial en YouTube. Además puede encontrarse en todas las plataformas digitales su música y las colaboraciones que ha logrado con bandas como Humus y Oxomaxoma.

"Cuando las personas me preguntan sobre el género musical de mis canciones encuentro muchas respuestas, para todos suena el Rock Progresivo, pero además mi música tiene un tinte gótico muy oscuro. A mi me fascina que cada persona descubra algo diferente.."

Fabiola Simac nos habla de sus planes para este año "Ahora me encuentro trabajando en mi tercer sencillo "Aire Sin Alas" que además será una versión diferente a la que podrán escuchar en mi próximo álbum debut solista 'Immersion' el cual ya ha sido grabado y con mucho trabajo tengo planeado lanzar a finales, o quizás mediados, de este año. Desgraciadamente, la situación mundial ha frenado el proceso."

Fabiola Simac también habla acerca de sus influencias y del proceso para componer y crear su música "Mi música tiene muchos pasajes cargados de un ambiente oscuro, no puedo negar influencias como Sopor Arternus, Autumn Tears, Dead Can Dance, pero también del Prog como Earth & Fire, Curved Air, King Crimson, Heldon o CanPara mi fue un proceso largo componer las canciones de mi disco 'Immersion' y por supuesto de los sencillos que ya conocen, pues al mismo tiempo formaba parte de Chac Mool y Vía Láctea. Pero fue la necesidad de expresarme yo sola, bajo mi propia libertad, que me llevó a comenzar y componer por mi cuenta."

Fabiola Simac es considerada una de las artistas más influyentes del Rock Prog en México. Quedamos a la espera del lanzamiento de su disco 'Immersion' este año.


MELIORA

Más allá de su actitud artística, Fabiola Simac no está sola. Su banda de apoyo, no se queda en ser tan sólo una banda de apoyo y toma vuelo de protagonismo con extensos pasajes musicales dotados de psicodelia, space-rock, notas de jazz & blues y experimentación, mucha experimentación.

Uvarigh Alvarado (bajo, efectos, mellotrón y coros), Emiliano Rodríguez (batería), Sebastián Corral (órgano y mellotrón), Arturo Buchanan y Chriz Anzunez (guitarras) completan la formación que bajo el nombre de Meliora grabaron en 2018 su primer álbum titulado 'Viaje Holístico'. "En 'Viaje Holístico' no hay una historia enlazada entre tema y tema, pero en general las letras hablan de los defectos humanos y la dualidad de los mismos. Por eso la portada con dos chicas que proyectan un lado bueno y otro malo" describe Fabiola, quien también se ocupó de diseñar los bocetos que luego The Dream Gazer con su magia convertiría en una formidable carátula para el disco.

El álbum fue grabado entre los meses de Julio y Agosto de 2018 en Estudio Invernadero. Pero Fabiola Simac no se quedó en el estudio y su presencia sobre el escenario no ha sido menor. "Así es.." nos cuenta Fabiola, "Nuestro álbum debut 'Viaje Holístico' lo presentamos en Noviembre de 2019 en el Festival Mega Prog, aquí en Ciudad de México, compartiendo escenario con la agrupación italiana Le Orme..  Definitivamente, fue una noche maravillosa, sobre todo presenciar el show de semejante banda, sin mencionar que compartimos camerino y pudimos charlar con ellos". También participaron del Primer Festival Ollin Kan 2017, El Festival del Sol y el Primer Festival de Progresion Sonora, entre otros.


VIAJE INTERIOR

Fabiola Simac no teme asumir riesgos. Lo demostró al grabar "Urami Bushi" y su serie de canciones cantadas en idioma japonés y lo reafirmó fundando su propia productora. De este modo, asume el control total de sus decisiones artísticas.

'Immersion' es un trabajo introspectivo en el que Fabiola Simac se busca a sí misma. Su lado nostálgico, su lado oscuro, su brillo, el florecer de sus experiencias vividas, sus emociones de manera honesta conforman un disco de nueve canciones del que la artista mexicana ya publicó dos sencillos con sus respectivos videos. "Clinging to Nostalgia" el primer corte del disco es un tema intimista, pleno de matices. Con su voz sentida y apasionada, transita musicalmente en algo más de siete minutos desde el minimalismo al jazz-fussion, en tanto, con tintes góticos y efectos sonoros antecede un cierre marcado por la belleza pura del violín. En su segundo corte titulado "Solitude" muestra un video de gran impacto visual, que fue recientemente presentado y puede apreciarse en todas sus plataformas digitales.



'Immersion' / Fabiola Simac

Discos Péndulo, 2021

1. Limerencia (7':16")

2. Aire Sin Alas (6':23")

3. Malady Of Love (4':24")

4. Ice Dust (3':08")

5. Clinging To Nostalgia (6':44")

6. Individual Soul (3':31")

7. Sinergia (8':29")

8. Aether (5':14")

9. Solitude (7':27")


Personal:

Fabiola Simac: voz, violín, sintetizador, flauta dulce, guitarra acústica.

Uvarigh Alvarado: bajo, guitarra eléctrica y acústica, sintetizador, mellotrón, clarinete, voz.

Luis G. Sánchez: guitarra eléctrica.

Eduardo Vazquez: batería y cajón.

Carlos Vivanco: guitarra eléctrica (Solitude).

Juan Carlos López: batería (Solitude).

Daniel Garduño: guitarra eléctrica (solo final Aire Sin Alas).


El proceso creativo de Fabiola Simac podrá conocerse este año en su disco 'Immersion'.



https://www.youtube.com/channel/UCWVNOHe78zPE6-sPRXMPj9A


https://open.spotify.com/artist/29XTtplmba9Be90XqRabgS?si=VlhMdNrWS86mXild6ufdtg


https://fabiolasimac.bandcamp.com/releases






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nueve/octavos magazine
Diciembre de 2020

Que injusto sería alimentar la idea que el Rock Sinfónico & Progresivo tuvo su apogeo y quedó en los años 70's.. Injusto para los nuevos artistas que enriquecen la escena actual e injusto, justamente, para aquellos músicos seminales del movimiento que desde finales de los 60's brindaron, y aún hoy, siguen brindándonos sus trabajos en los cánones de creatividad y autonomía artística tan característicos del Rock Sinfónico & Progresivo. Porque no puede hablarse de la extinción de un movimiento musical cuando ése movimiento musical nunca dejó de sonar. Podemos discutir en criterio de mayor o menor difusión del Rock Sinfónico & Progresivo en los medios de comunicación, pero no existe un vacío en la continuidad de la obra. Hoy, el Rock Sinfónico & Progresivo no es producto de la nostalgia o las reediciones de material, por contrario, los nuevos y numerosos trabajos de las nuevas y numerosas bandas que integran la escena actual, no distancian en su brillantez a las de las grandes obras de la denominada 'Era Dorada del Rock Progresivo'.

Es sabido que el Club Oyentes de Rock Progresivo es un espacio de reunión y expresión de un grupo de personas con un gusto común y un objetivo común: 'Escuchar Rock Sinfónico & Música Progresiva' e 'Interactuar dentro de ese maravilloso mundo musical'. Por ello, publicar la revista nueve/octavos significa contar con un canal de expresión independiente y un espacio de difusión para las obras de las agrupaciones forjadoras del Rock Sinfónico & la Música Progresiva y para las nuevas bandas y músicos que enriquecen la escena actual..

En nueve/octavos magazine viajamos a los orígenes del Rock Progresivo para reencontrarnos con 'In The Court Of The Crimson King' el mítico álbum debut de la agrupación británica King Crimson que se convertiría en el disco más influyente del género / Revivimos los monumentales álbumes 'Tales From Topographic Oceans' de Yes y 'Thick As A Brick' de Jethro Tull / Repasamos los orígenes de Marillion y los años marcados por la presencia de Fish como vocalista / Abordamos el movimiento hippie con la visión de Michelangelo Antonioni en el film 'Zabriskie Point' musicalizado por Pink Floyd / Viajamos a la Isla de Wight para rememorar el Festival de 1970 que se convertiría en el mayor evento musical de su tiempo / Asistimos al concierto que Martin Barre ofreció en Argentina celebrando los 50 años de la agrupación Jethro Tull / Reescuchamos 'Artaud' el álbum de Luis Alberto Spinetta con Pescado Rabioso y revelamos la singular belleza de la agrupación danesa Under Byen, entre otra serie de notas que intentan hacer de nueve/octavos magazine una publicación atemporal que merezca ser leída, releída, sugerida de ser leída y conservada como colección.. Sabemos que es pretenciosa la idea, pero estamos comprometidos en poder lograrlo e invitamos de esta manera ser partícipes, renovar el vínculo con el Rock Sinfónico & Progresivo y transitar juntos las primeras cinco décadas de vida de la más hermosa de todas las músicas..!!