Steve Howe, Natural Timbre

  

STEVE HOWE / 'Natural Timbre'

Eagle, 2001

DISTANT SEAS (6:14) / PROVENCE (3:59) / INTERSECTION BLUES (2:28) / FAMILY TREE (4:29) / J’S THEME (3:50) / IN THE COURSE OF THE DAY (3:33) / DREAM RIVER (3:58) / GOLDEN YEARS (4:35) / THE LITTLE GALLIARD (1:22) / UP ABOVE SOMEWHERE (3:55) / CURLS & SWIRLS (2:33) / PYRAMIDOLOGY (3:06) / LOST FOR WORDS (3:55) / WINTER (2:15) / SOLAR WINDS (3:54) / YOUR MOVE (3:27) / DISILLUSION (1:40) / TO BE OVER (6:10)

‘Natural Timbre’ primer álbum solista de Steve Howe completamente acústico.

Tras muchos e intensos años de carrera, desde sus inicios en The Syndicats, pasando por Bodast hasta su actualidad en Yes, Steve Howe decide grabar en el año 2001, su primer álbum de estudio completamente acústico. Una colección de canciones reunidas bajo el grato tono de su familia de guitarras y mandolinas. En esta ocasión Howe prescinde de su tan cuestionada voz, tratándose ‘Natural Timbre’ de 18 composiciones instrumentales, la mayoría de su autoría, arreglos sobre el segundo movimiento “Invierno” de ‘Las Cuatro Estaciones’ de Antonio Vivaldi y la adaptación de una pieza del siglo XVII perteneciente a John Dowland. Bien puede hablarse en términos de un verdadero álbum solista de Steve Howe (más allá de las colaboraciones de su hijo Dylan en batería, la violinista Anna Palm, y su antiguo colaborador en ‘The Steve Howe Album’, Andrew Jackman, en piano) ya que la idea de álbum acústico permite apreciar en plenitud la riqueza de texturas y variedad de melodías que Howe sabe extraer a su arsenal de instrumentos de cuerdas. “Family Tree”, “Curls & Swirls” ó el dramatismo de “Lost For Words” bien merecen destacarse, mientras el cierre de la placa está dado por tres versiones intimistas sobre temas de Yes: “Your Move” / “Disillusion” de su primer trabajo con la banda y “To Be Over” en donde Howe utiliza once instrumentos diferentes, logrando en el cierre de esta placa un testimonio de su trabajo junto a la legendaria agrupación.

Arreglado y Producido por Steve Howe

Grabado en Langley Studios, Inglaterra.

Personal:

Dylan Howe: Batería.

Anna Palm: Violín

Andrew Jackman: Piano y Glockenspiel

Pendragon, una breve biografía

PENDRAGON ES, INDUDABLEMENTE, UNA DE LAS AGRUPACIONES DE ROCK NEO-PROGRESIVO MÁS PRODUCTIVAS Y RESPETADAS. SU CARRERA HA SIDO TOTALMENTE EVOLUTIVA Y SU APORTE MUSICAL LE HA DADO AL GÉNERO UN SINFONISMO POCAS VECES ANTES APRECIADO.

En la tranquila ciudad de Stroud, Gloucestershire, UK, en el año 1978; Nick Barrett, Julian Baker, Nigel Harris y Stan Cox fundan la banda bajo el nombre de Zeus Pendragon.

Julian (guitarra y voz) y Nick (guitarra y voz) fueron los responsables de escribir las primeras canciones. Tras la salida de Stan (bajo) de la agrupación fue incorporado Robert Dalby en su puesto, sumando también al tecladista John Barnfield con la intención de ampliar su espectro sonoro. Julian Baker decide alejarse, e ingresa en su lugar Peter Gee, quien luego se encargará de ejecutar bajo tras la salida de Dalby.

Ellos tocaron constante e insistentemente en la escena under hasta 1982, momento en que son contactados por el manager Greg Linares y firman un primer contrato con el sello discográfico Elusive Records e inician una gira junto a Marillion, (otra de las bandas fundamentales del movimiento neo-progresivo), ya con el nombre de Pendragon y despertando el interés de público y crítica a través de la nobleza de su música y sus actuaciones en directo. Una música sutilmente elaborada, atmosférica, con marcado respeto por la melodía y creación de climas.

A pedido de Mick Pointer (batería de Marillion) Pendragon toca como soporte de ellos en el Club Marquee de Londres, naciendo una unión entre las bandas que sería fundamental para el resurgimiento del (por entonces casi denostado por la crítica) rock progresivo, ó el nacimiento del progresivo neo-clásico. Marillion y Pendragon continúan tocando juntos y creciendo en cantidad de seguidores, hecho que motiva a las compañías discográficas posarle su mirada, principalmente en Marillion, quien firmara contrato con la etiqueta EMI.

Pendragon se presenta ante 30.000 personas en el Reading Rock Festival 1983 y Europa Continental conoce su nombre ya que inician una extensa gira por Francia, Alemania, España, Suiza, Holanda, Polonia e Italia, recibiendo buenos comentarios de la prensa especializada en publicaciones como Q Mag (Reino Unido), Rock And Folk Magazine (Francia), Rock Hard (Alemania) y Radio Veronica (Holanda), entre otras. Pendragon graba una impresionante sesión en vivo en la BBC Radio 1 UK para el Tommy Vance On The Friday Rock Show y el tema “The Black Knight” se convierte en el ‘primer himno’ de la banda de Gloucestershire.

La dupla compositiva Barrett y Barnfield fueron responsables del distintivo sonido de Pendragon, no obstante ello, en plena gira, el tecladista decide alejarse de la agrupación y en su reemplazo ingresa Rick Carter quien graba junto a Pendragon el mini-álbum ‘Fly High, Fall Far’ y poco tiempo después el álbum debut en estudio. El primer álbum de Pendragon se titula ‘The Jewel’, fue grabado en Soundmill Studios entre Marzo y Abril de 1985 y presenta la formación integrada por Nick Barrett en guitarra y voz líder; Peter Gee en bajo y guitarra; Rick Carter en teclados y Nigel Harris en batería y percusión. ‘The Jewel’ es definitorio absoluto del sonido de Pendragon, más allá que su carrera ha sido totalmente evolutiva y cada álbum ha superado en ambición y producción a su predecesor, pero en ‘The Jewel’ hallamos el embrión creativo que la banda irá desarrollando ininterrumpidamente hasta la actualidad, momento en que Pendragon cuenta con 9 discos de estudio, 6 registros en vivo, 6 discos de compilados y rarezas, 4 DvD’s de conciertos y 3 EP´s.

Con motivo de cumplirse el ‘21º Aniversario de The Jewel’, Pendragon reunió antiguos con actuales integrantes de la agrupación y ofreció un sensacional Concierto el día 31 de Octubre de 2006 en el Teatro Slaski, Katowice, Polonia; que fue lanzado en formato DvD bajo el título ‘Past And Presence’. John ‘Barney’ Barnfield recuerda: ‘Probablemente, mi época con Pendragon haya sido la más feliz de mi vida. Es genial mantener una gran amistad con Nick y me encanta poder tocar con ellos’.

Nueva gira y cambios se produjeron tras el lanzamiento de su primer álbum. Nigel Harris se aleja de Pendragon y durante un breve lapso fue reemplazado por Matt Anderson. Tanto Anderson como Rick Carter fueron los siguientes miembros en partir, obligando dichas decisiones a ‘refundar’ Pendragon por parte de Nick Barret y Peter Gee; quienes convocaron al gran baterista Fudge Smith y al músico sesionista James Colah en los teclados para completar el álbum ‘9:15’ (1986), un álbum en vivo grabado los días 24, 25 y 26 de Julio de 1986 en el legendario Marquee de Londres con motivo de la presentación de ‘The Jewel’; su título refleja el horario de comienzo de los shows. Ese mismo año se produce el ingreso de Clive Nolan a la agrupación, quien aportará desde entonces su distintivo sonido de teclados.

Pendragon es hoy una de las agrupaciones más respetadas y con muchísimos seguidores en todo el mundo. Su obra refinada ha sabido perdurar en el tiempo y sigue captando la atención con una lograda propuesta melodramática capaz de transportar al oyente hasta un mundo de imágenes, ensueño y fantasías: Así es el mundo generado por la música de Pendragon, con letras profundas y de marcado contenido humano y espiritual.

Su formación clásica reúne a los legendarios Barrett y Gee con el baterista Fudge Smith y el gran tecladísta Clive Nolan. Dos de sus álbumes ‘The World’ y ‘The Window Of Life’ son reconocidos entre los mejores exponentes de rock sinfónico y resulta meritoria dicha inclusión.

En 1988 ya con su formación clásica consolidada y bajo su propia etiqueta: Toff Records, Pendragon graba un segundo álbum de estudio que recibe el nombre de ‘Kowtow’. En dicho álbum encontramos como rareza la inclusión de un destacado solo de saxo en el tema “2 AM” mientras “Total Recall” y “Kowtow” se convertirían en canciones clásicas de la agrupación. En 1990 editan un recopilatorio de singles, temas inéditos y registros del tour de ‘The Jewel’ titulado ‘The Rest Of Pendragon’. Es entonces el momento de llegar a su obra cumbre: En 1991 ‘The World’ emerge triunfal en la carrera de ‘el pequeño Pink Floyd’ (como alguien gustó llamarlo) con maravillosas composiciones como “The Voyager” y la suite de 23 minutos “Queen Of Hearts”. ‘The World’ fue producido por Tony Taverner, quien ha trabajado con ELP y Jeff Beck entre otros, y compuesto en gran parte en la casa de Andy Latimer, líder  de la agrupación Camel y muy ligado afectiva y musicalmente a Pendragon. La maravillosa portada del álbum pertenece al artista Simon Williams, quien también ilustrará otras de sus obras cumbre: ‘The Window Of Life’ y ‘The Masquerade Overture’. La gira presentación de ‘The World’ arrojaría a las bateas su primer pirata oficial ‘Live In Lille: The Very, Very Bootleg’ (1993) grabado en Francia y sin retocar en estudios, este documento fue lanzado como CD oficial del fan-club.

Es entonces que el 8 de Noviembre de 1993 Pendragon lanza el deslumbrante ‘The Window Of Life’ con destacadas composiciones como el climático “Ghosts”, “The Wall Of Babilon” y el sublime tema “Am I Really Losing You?” indudablemente, un álbum imprescindible y otro de los momentos inspirados y recurrentes de su magia sonora. Es en 1994 cuando la banda edita el EP de cuatro temas ‘Fallen Dreams Angels’; tres de ellos pertenecen a las sesiones de ‘The Window of Life’ y el restante de los temas nace de las sesiones de ‘The World’. ‘Fallen Dreams Angels’ contiene “The Third World in The UK” considerado uno de los más interesantes temas en la historia de Pendragon. De las presentaciones del álbum ‘The Window Of Life’ en el prestigioso Utrecht’s Muziek Centrum, Vreedenburg nacería su mejor álbum en vivo ‘Utrecht…The Final Frontier’ (1995). El catálogo Pony Canyon ofrece la totalidad de su música en Japón a finales de 1994 y U.S.A. recibe a Pendragon el 12 de Noviembre de 1995 en el ‘ProgFest 95’ realizado en Variety Arts Theater, Los Angeles, California.

El 25 de Marzo de 1996 el mundo entero presencia el lanzamiento de ‘The Masquerade Overture’ una obra imponente que inicia rememorando a la ópera ‘Don Giovanni’ de Mozart y contiene temas superlativos  como lo son “Guardian Of My Soul”, “The Shadow” y “Master Of Illusion”. Una ‘Edición Limitada’ de ‘The Masquerade Overture’ ofrece dos CD’s conteniendo en el primero el álbum propiamente dicho, mientras el segundo incluye dos radio edits de “Masters Of The Illusions” y “Schizo And The King Of The Castle” (“The Shadow, Part Two”). ‘As Good As Gold’ sería su segundo EP (ó tercero en realidad, si se considera al vinilo de edición limitada ‘Fly High, Fall Far’ de 1984 como primer EP) y mantiene relación conceptual entre sus tres temas, nacidos justamente de las sesiones de ‘The Masquerade Overture’. En Diciembre de 1996 Pendragon inicia su gira más extensa, tocando en Francia, España, Polonia, Alemania, Italia, Holanda y UK. Uno de sus conciertos es registrado en video bajo el título ‘Live… At Last’ y reeditado en formato DvD por el sello Metal Mind en 2002 con el título ‘Live… At Last and More’ incluyendo material extra y como rareza un video del tema “Red Shoes”. De esta extensa gira presentación de ‘The Masquerade Overture’ editarían ‘Live In Krakow’ (1997) un registro espectacular de sus mejores canciones en escena. En Abril de 1998 Pendragon inicia el ‘South America Tour’ tocando en Rio y Macae (Brasil); Santiago (Chile) y Buenos Aires, Argentina. El fan-club argentino de Pendragon edita un compilado de grandes éxitos bajo el nombre ‘The Round Table’ difundido mundialmente como ‘Pendragon Overture 1984-96’.

En 2001 Pendragon lanza un notable nuevo disco titulado ‘Not Of This World’, una obra integral o de concepto en el que la banda adopta pasajes de inusitada potencia que marcan una nueva tendencia en su música. Indudablemente, “A Man Of Nomadic Traits” se trata de una canción que ha ingresado a la galería de temas notables de Pendragon.

Tras algunos conflictos personales vividos por su líder Nick Barrett, y luego de cuatro años, Pendragon vuelve a escena editando uno de sus mejores álbumes de todos los tiempos: ‘Believe’ (2005) es el último de los discos de Pendragon grabados por su formación clásica y es el álbum en el que Nick Barrett ’repensó’ el sonido de la banda dándole un giro notable, pero sin abandonar sus raíces sinfónicas, e iniciando una trilogía musical que halla continuidad en ‘Pure’ (2008) y su último trabajo editado hasta el momento ‘Passion’ (2011).

‘Believe’ es un álbum de concepto en el que la idea central gira en torno a ‘creer… o dudar, acerca de todo, y principalmente, de los mensajes emitidos desde los medios de comunicación’ y Nick Barrett lo definió mejor que nadie a través de su visión del mundo contemporáneo: ‘Cuestionen todo, no crean en nada!’. Durante la gira presentación de ‘Believe’ fue grabado ‘And Now Everybody To The Stage’, que además de ser una frase humorística utilizada en el disco, es el nombre que recibe el DvD doble registrado en Polonia durante la presentación de dicho material en el Tour de 2006. En dicha presentación puede verse en escena al buen baterista Joe Cabtree (durante su breve paso por la agrupación) junto a Nick, Peter & Clive.

Al momento de ingresar a estudios para la grabación de ‘Pure’ e iniciar la gira presentación, es Scott Higham quien se encarga de ejecutar batería, siendo actualmente miembro de Pendragon. ‘Pure’ es un álbum de concepto que ofrece las melodías plenas de emoción que habitualmente brinda la banda y un giro sonoro hacia pasajes mas duros. “Indigo” una canción de algo más de trece minutos de duración y la suite “Comatose” son buenos ejemplos de ello. En 2009 Pendragon lanza a través del sello Metal Mind un DvD titulado ‘Concerto Maximo’ que registra la presentación del álbum ‘Pure’ en el Teatro Slaski de Polonia, y es recibido por la gran audiencia en el famoso Loreley Festival, Alemania, en la ‘Convención’ de Fish en Reino Unido y por 5000 personas en el acto soporte de la banda americana Dream Theater.

En 2010, Nick Barrett es elegido por la Classic Rock Society como ‘Mejor Guitarrista’. Pendragon emprende una gira global con muy buena recepción en RoSFest - USA, en Londres tocando junto a ZZ TOP y en Sweden Rock Festival junto a las populares bandas Guns And Roses y Aerosmith.

Su último trabajo en estudio ‘Passion’ es excelente y fue presentado en una mega-gira a través de Europa y Reino Unido. Gracias a sus trabajos, esfuerzo, perseverancia y coherencia, Pendragon se ha convertido en la banda más importante de la década dentro del neo-progresivo clásico y a lo largo de su historia ha hecho merito suficiente para dejar de ser llamado ‘el pequeño Pink Floyd’ y ser reconocido como ‘el gran Pendragon’. Su presente, lo afirma.

DISCOGRAFIA EN ESTUDIO:

 THE JEWEL (1985)

 KOWTOW (1988)

 THE WORLD (1991)

 THE WINDOW OF LIFE (1993)

 THE MASQUERADE OVERTURE (1996)

 NOT OF THIS WORLD (2001)

 BELIEVE (2005)

 PURE (2008)

PASSION (2011)

David Gilmour Interview, 'On An Island' álbum...

EN SU TERCER DISCO SOLISTA TITULADO 'ON AN ISLAND', DAVID GILMOUR RETOMA EL 'SONIDO PINK FLOYD'. EN ESTE RETRATO INTIMO PUBLICADO POR EL PERIODICO INGLES THE GUARDIAN, DICE ENTRE OTRAS COSAS, QUE SE SIENTE VIEJO Y QUE LO INDIGNA SU INDOLENCIA.

por Emma Brockes

El club de jubilados de Chiddingfold tiene tapizados oscuros y es tan plácido como sólo puede serlo Surrey un día de semana. Jueves de por medio, los mayores de sesenta se encuentran aquí para jugar al bingo y ver fotografías. Los martes por la mañana hay actividades infantiles. Hoy, viernes, ensaya la banda bajo la dirección de un hombre de cincuenta y nueve años que tiene un aire lacónico.

-¿Estás haciendo eso, Phil, la parte de dow-wow-wow?

-Sí.

Phil levanta la cabeza de su guitarra y toca unas notas: dow-wow-wow. Hay una pausa cuando el sostenido se desvanece, y luego: “¿Está bien?

-Sí.

¡Bum! La banda resuena de forma tan atronadora, con una fuerza tan típica del rock de fines de los 70, que los posavasos se mueven en las mesas.

David Gilmour, ex guitarrista de Pink Floyd, un hombre cuya última presentación fue ante un público global de millones de personas en Live 8, vive a la vuelta de ese club, como también Phil Manzanera, ex guitarrista de Roxy Music. Por eso ellos y el resto de la banda ensayan en una pequeña sala que huele vagamente a escuela. Gilmour está a punto de comenzar una gira promocional de su tercer álbum como solista, ‘On An Island’, pero se verá obligado a tocar algunos clásicos de Pink Floyd. En los cuarenta años que pasaron desde que se formó la banda, ésta vendió más de 175 millones de discos. Se dice que en una de cada cuatro casas británicas hay un ejemplar de ‘Dark Side Of The Moon’.

Es fácil olvidarlo cuando se habla de Gilmour, que es modesto, algo inseguro y evita el contacto visual, pero de una forma más tímida que astuta. Dice que su esposa, la escritora Polly Samson, piensa que es “algo autista” y que solo logra expresarse bien a través de la música. Lo más cercano al rock and roll que hizo hasta ahora fue tener ocho hijos: cuatro con su primera esposa y cuatro con la segunda. Ocho hijos es algo ridículo, le digo, y él sonríe y contesta: “Estoy de acuerdo. Lo lamento mucho.”

La banda que formó en Cambridge en 1965 siempre fue calificada de elegante, en parte debido a la extracción de sus miembros –el padre de Gilmour era profesor de zoología- y en parte porque era reflexiva y tenía ambiciones musicales, por lo que en los años 70 impulsó la idea del álbum conceptual, lo que hacía que uno se imaginara a los integrantes sentados y discutiendo en términos de “arco narrativo”. Componían temas cultos con temas misántropos y un tipo de integridad que los hacía especialmente populares entre los varones adolescentes. Antes de encontrarme con Gilmour, le pedí a un amigo que me explicara cuál era el atractivo de Pink Floyd. Los ojos se le llenaron de veneración y susurró:

“So you run and you run to catch up with the sun but it’s sinking / Racing around to come up behin you again. / The sun is the same in a relative way but you’re older / Shorter of breath and one day closer to death.” (“Y uno corre y corre para alcanzar al sol, pero éste se hunde / Y se apresura a volver a salir detrás de uno / El sol es relativamente el mismo, pero uno es más viejo / tiene menos aire y está un día más cerca de la muerte.”). Es la letra del tema “Time”, una suerte de áspera versión rock de T. S. Elliot.

“Es un gran alivio no tener que llevar esa carga, la gran casa del caracol, -dice Gilmour haciendo referencia a Pink Floyd.- ya que a veces es un peso enorme. La presión es demasiado grande. Andar cargando con el nombre de Pink Floyd… No quiero estar en ese lugar.”

Gilmour sigue siendo muy atractivo, con labios carnosos y un rostro sin arrugas. Pink Floyd se caracterizaba por reducir su nivel de visibilidad personal mediante el recurso de la artística de las portadas de sus discos, que no tenían fotos de ellos. A diferencia de tantos de sus pares en el ámbito de la música, la fama no los hizo monstruosos, dice Gilmour, porque ellos tenían demasiadas ambiciones musicales y, de todas maneras, “para nosotros era una actividad part-time. Bueno, si recordamos los años 70, nosotros hacíamos una gira de tres semanas y luego nos tomábamos uno o dos meses libres. Después hacíamos otra gira de tres semanas. Teníamos mucho tiempo libre, que pasábamos en nuestras casas, en nuestro país. Ninguno de nosotros se dedicó por completo al rock and roll. Pero todos pasamos por épocas de confusión, o permitimos que nos confundieran.”

Gilmour elige las palabras. Su enfrentamiento con el bajista de Pink Floyd, Roger Waters, fue una historia muy inglesa que llevó casi veinte años en los cuales los dos hombres no se hablaron luego de que  Waters se fue de la  banda en 1983. (Waters declaró la muerte de la banda poco después, pero ésta siguió trabajando con éxito sin él.) Todo empezó con una pelea sobre créditos de composición de temas, pero la verdadera causa del conflicto, dice Gilmour, fue un enfrentamiento de personalidades. Se molestaban mutuamente sólo por ser quienes eran: la “imperiosa” personalidad de Waters versus el resentimiento de Gilmour, el hecho de “permitir” que lo “confundieran”. Cabe imaginar que, cuando llega el punto de una pelea, hace un buen alarde de agresión pasiva.

A Gilmour le hace gracia que, incluso después de tantos años, cuando la banda se reunió para Live 8 en julio pasado, ni él ni Waters habían cambiado lo suficiente como para disolver por completo las tensiones. Gilmour dijo que no las dos primeras veces que Bob Geldof le pidió que participara en el recital. “No porque no pensara que era una buena causa, sino porque sentía que todo estaría muy bien sin nosotros.” Finalmente aceptó y se organizó una reunión entre Gilmour y Waters en un hotel de Londres. “Fue muy raro estar en la misma habitación. Pero en dos minutos recuperamos la vieja dinámica. Roger estaba mandando. No lo digo con rencor. La gente tiene su propia personalidad, y Roger es como es. No puede evitarlo, así como tampoco yo puedo evitar ser como soy. La primera reunión fue formal y cautelosa. Luego ensayamos tres días juntos. Ensayé dos semanas solo en mi casa para volver a tener los dedos y la garganta en forma.”

Durante los ensayos volvió a surgir la misma vieja tensión entre ambos. “Fue un esfuerzo para ambos. A veces para mí era difícil imponerme, porque soy bastante cómodo y reticente. Y Roger es muy imperativo, por lo que había momentos en que queríamos que pasara algo, queríamos tomar una decisión, y no era como yo quería, de modo que discutimos un poco.”

Ahora Gilmour se ríe de cuánto trataron de evitar que eso pasara y de cómo trataron de controlarse. “¡Qué esfuerzos hizo por no ser él mismo, por no mandar!”, dice. “Y cuánto traté de no ser yo mismo y de insistir en lo que quería!” Se encontraron en un restaurante poco después de Live 8. “Las cosas se despejaron un poco. Sí, creo que parte del veneno se evaporó.”

El Sonido de siempre

El nuevo álbum de Gilmour suena en parte melancólico, en parte hawaiano y en parte, debido al uso de extraños efectos sonoros, como el canto de una sirena. Comparte los créditos de composición de muchos de los temas con su esposa, que también toca el piano y canta en el fondo. Si bien ya había colaborado con Gilmour en el álbum de 1994 ‘Division Bell’, esta vez el grado de su colaboración generará cierta indignación entre los puristas de Pink Floyd. “Sí, le preocupa mucho ser la (figura) Yoko/Linda McCartney.” Pero el álbum es bueno, y Gilmour hace una excelente defensa de los aficionados (su esposa empezó a aprender piano hace un año). “Soy un pianista pésimo. Pero compongo temas al piano muy seguido y a menudo la música deriva de mi torpeza. La falta de habilidad nos obliga a hacer cosas de forma más primitiva, y es en esa forma primitiva que uno suele descubrir algo.”

El y Polly se conocieron en una cena en casa de unos amigos. Cuatro años después, y a sugerencia de ella, la pareja donó el producto de la venta de su casa de Londres a la organización humanitaria Crisis. El tono del nuevo álbum refleja lo contento y tranquilo que está Gilmour ahora. Me pregunto si tiene alguna objeción a la palabra maduro.

“Mmmm. Dios mío. Es probable. Espero que el álbum transmita calma, que transmita una sensación de placidez, además melancolía y nostalgia…”

¿Acaso la conformidad no es enemiga del arte? “Supongo que, por más conforme que uno esté, nunca se dejan atrás los recuerdos del descontento ni el arrepentimiento por los errores cometidos.” Frunce el ceño, mira la alfombra. “Ni siquiera en el mejor momento se olvida el recuerdo de las peores épocas.”

Lo que más lo indigna de sí mismo es la indolencia. “A veces tiendo a no molestarme por nada.” El estilo de trabajo de Gilmour consiste en construir con lentitud y sólo volverse “del todo obsesivo” en la última etapa. Pero “no me gusta mi indolencia”. Sonríe. El panorama musical actual no le despierta mucho interés. El último disco que le produjo verdadero entusiasmo fue uno de The Streets. En la época en que se formó Pink Floyd, Gilmour tenía influencias tan diversas como “Bob Dylan y Leonard Cohen y también algo de Leonard Bernstein y Woody Guthrie.” Nunca se anima tanto como cuando habla de Dylan. Adopta una actitud atenta, se incorpora en la silla y dice. “Yo nunca fui de los que pensaban que Dylan era un monstruo por pasarse a la (guitarra) eléctrica. Me gustó el cambio. Pero debo decir que la fuerza del joven Dylan como cantante de protesta –el siempre lo negó pero lo siento, Bob, eras un cantante de protesta- residía en que tomaba la guitarra, tocaba ante una multitud y su música y sus palabras eran como una fecha. La gente subestima su capacidad musical. La melodía y las palabras se disparaban como flechas. A mí me sigue pareciendo increíble.”

Gilmour no compró el álbum de los Arctic Monkeys. Le gustan, dice, “pero es algo para jóvenes. Yo no puedo fingir que lo soy”. Suspira. “Mis pobres oídos y mi cerebro ya no… Es probable que eso me hubiera encantado cuando tenía veintitantos años.”

Volvemos a la sala de ensayo. Se empieza a hablar del exceso de exposición, un anatema para Gilmour, que sostiene que es injusto que en la actualidad los artistas jóvenes tengan éxito tan rápido.” La gente se harta, por ejemplo, de Norah Jones, porque está en todas partes, pero Norah Jones es genial.” Luego, Gilmour lee una reseña del nuevo álbum en el diario. “Supongo que debería alegrarme por las cuatro estrellas. Los viejos como yo ya no consiguen cinco.”

© The Guardian / Abril de 2006.-

Invasión Vikinga

Resulta interesante comprender a través de la música, el por qué no han sido los Vikingos quienes  llegaron a América del Sur sino mucho tiempo después que otros antiguos pobladores… No existen en nuestros genes las herencias musicales de aquellas tierras boreales, sonidos difíciles de encuadrar en un estilo, pero que sin duda están más cerca del neoprogresivo del siglo XXI que cualquier otro género. En estas líneas intentaré transitar tras la estela dejada por Under Byen, una travesía que finalmente arriba a los puertos del Nuevo Mundo.

Resulta difícil encontrar una banda Danesa que haya trascendido más allá de sus fronteras antes de la década del 90’, y mucho más difícil que lo logren en su lengua natal… sin duda Under Byen ("Bajo la Ciudad”) ha logrado propagar su sonido mediante una propuesta musical que subyuga a exquisitos oyentes con atmosferas poco convencionales. Su inicio nos remonta a la ciudad de Aarhus, donde UB comienza a proyectarse conducida por Katrine Stochholm en composición y Henriette Sennenvaldt como líder vocal, interpretando su propia propuesta de rock poco ortodoxo. A su entramado musical se le suma la virtud de amalgamar sabiamente sonidos de pianos, violoncelos, violines, órganos, bajo, acordeón, ukeleles, trombón, batería y diversos instrumentos de percusión e incluso un serrucho distorsionado eléctricamente, combinando influencias de jazz, folk y música clásica; pero es sin duda, al escucharlos por vez primera, la interpretación de Henriette, dueña de una de las voces más prominente, quien se destaca y conduce la escena hacia paisajes figurativos, trasmitiendo sensiblemente la sutil delicadeza de sus cristales de nieve.

Actualmente, la dinámica agrupación de UB está compuesta por Henriette Sennenvaldt (vocal y composición), Rasmus Kjær Larsen (pianos), Nils Gröndahl (violin, serrucho, “lapsteel” y una variedad de pedales de gitarras “a variety of guitar pedals”), Morten Larsen (batería), Sara Saxild (bajo), Anders Stochholm (percusión, acordeón, harmónica, guitarra), Stine Sørensen (batería, percusión) y Morten Svenstrup (cello) y en diferentes etapas han formado parte: Katrine Stochholm (composición, melodía, segunda voz, piano), Myrtha Wolf (cello) y Thorbjørn Krogshede (composición, piano, clarinete bajo). Así resulta, que a lo largo de 14 años, UB ha sumado un número importante de obras, templando álbum tras álbum el estilo que los caracteriza.

Discografía

Albums

Kyst, 1999

Remix, 2001

Det er mig den holder traeerne sammen, 2002

2 ryk og en aflevering, soundtrack album, 2003

Somme stof som stof, 2006

EP's

Puma, 1997

Live at Haldern Pop, 2004

Siamesisk, 2008

Simples

Veninde i vinden, 1998

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Kyst [1999] (Costa)

Tracklist

1. Sejler (4:14)

2. Hjertebarn (5:04)

3. Vindeltrappe (4:29)

4. Gå Ind I Lyset (2:41)

5. Vinterbørn (4:01)

6. Ingenting Hos Mig (3:40)

7. På Disse Kanter (1:36)

8. Fugle Og Ild (5:06)

9. Syng Hvide Nat (2:19)

10. Sylfiden (6:00)

11. Kyst (6:22)

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Remix (Minialbum) [2001]

Es muy difícil encontrar remezclas que no pasen solo como la inclusión de algún pequeño arreglo a la versión original y no se atrevan a recomponer piezas interesantes. Si eso es difícil, mucho más es conseguir que un disco sea remezclado de manera que sea una interesante (y porque no decir buena) copia del original. Corresponde a una remezcla de Kyst, del cual solo se sacaron 200 copias.

Tracklist
1. Vindeltrappe (Opiate) Production & remix by Thomas Knak for Hobby Industries

2. Fugle Og Ild (360° Celcius Dub) Remix by DJ 360°

3. Fugle Og Ild (remix) Production & remix by Sofus F. & DJ Ilz

4. Kyst (remix) Remix by Magnus (YouNameItProd.) & Manne (JazzBeat)

5. Fugle Og Ild (remix) Production & remix by Konrad Korabiewski

(Ego Trip Productions) & Nils Åkesson

6. Vindeltrappe (Fættermix) Production & remix by Jacob Berthelsen & Under Byen

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Det Er Mig Der Holder Træerne Sammen [2002] (Soy El Recuerdo
Entre Los Árboles)

  

En Det Er Mig Der Holder Træerne Sammen, Under Byen se entrega al triphop de una forma muy particular; uniéndolo al rock, generando canciones que se entremezclan entre el down y el post rock, acompañado de la voz susurrante y agónica de Henriette que tiene en Plantage, Legesag y la que le da nombre al álbum, momentos de magnífica belleza. En Batteri Generator parece que Jonsi de Sigur Rós, tuviese una hermana melliza, mientras que en Lenin, el piano de cámara emociona y eleva. Todo termina en Om Vinteren de más de 12 minutos (paradigma del post rock) en donde algo nos cuentan, entre bosques y soledad, como cruzar entre los árboles y perderse en la oscuridad, buscando algo perdido, perdido como el tiempo en que UB aún no estaba en mi interior.

Tracklist

1. Det Er Mig Der Holder Træerne Sammen (3:33)

2. Plantage (4:14)

3. Mission (5:07)

4. Ride (2:46)

5. Byen Driver (4:11)

6. Batteri Generator (4:31)

7. Legesag (6:13)

8. Lenin (2:29)

9. Om Vinteren (12:08)

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Live at Haldern Pop [2004] 

Luego de publicar dos discos, UB saca a circulación una pequeña muestra de lo poderosos que pueden llegar a ser en vivo. El 9 de Agosto de 2003, en el Festival Haldern Pop de Alemania UB nos regaló dos preciosas canciones de cada uno de sus discos. De Kyst (1999) se desprenden Hjertebarn y Kyst y de Det Er Mig Der Holder Træerne Sammen (2002) muestras Mission y Legesag. Cuatro increibles canciones, cuatro estremecedoras interpretaciones, tan simples y delicadas como un camarón ecuatoriano: pequeño, delicioso y exótico.

Tracklist

1. Mission (6:14)

2. Hjertebarn (6:48)

3. Legesag (7:01)

4. Kyst (7:36)

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Live @ Roskilde Festival 2004, Roskilde, Dinamarca [2004] 

Con dos discos bajo el brazo, Kyst (1999) y Det Er Mig Der Holder Træerne Sammen (2002) tienen algo más que aportar al universo post rock. La amplitud de instrumentos en los que se pueden distinguir pianos, tambores, cuerdas y platillos son elementos básicos dentro de la producción del estilo. Pero el importante aporte, lo hacen para los suyos, ya que en el mundo de hoy donde el inglés es la lengua prima, estos daneses se niegan a interpretarlo, transportándonos a todos los mundos existentes con la incapacidad de entender ni una sola palabra de lo que dicen. La voz de Henriette es tan mágica que da lo mismo comprender, porque el mensaje, como fin último de la música es lograr comunicar y ella lo hace a la perfección. Y es por eso, que quizás se sienten tan cómodos en casa, en el principal danés, el de Roskilde

Tracklist
1. Intro – Announcer

2. Lenin

3. Mission

4. Plantage

5. Det er mig der holder træerne sammen

6. Kyst

7. Legesag

8. Palads

9. Hjertebarn

10. Films jeg har set

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Remix 2 [2004]

 

Los daneses de UB tienen tanto que aportar desde su desconocida lejanía musical que no tienden a complicarse más allá de componer perfectas piezas de inmedible hermosura, y al parecer, sus inquietantes almas no quedan conformes. Recompusieron su primer disco Kyst (1999) y dos años más tarde lanzaron Remix. Lo mismo hicieron con su segundo disco Det Er Mig Der Holder Træerne Sammen de 2002 y para 2004 nos regalan su nueva versión, una delicada simpleza llamada: Remix 2.

En las nuevas versiones del álbum, la banda logra producir un disco tan exquisito aprovechando aquellas piezas más importantes de su segundo disco, en donde destacan las dos versiones de Plantage, Legesag y Mission (entre otras), agregándoles bases drum 'n' bass y pequeños sonidos tipo noise en las que todas las canciones ganan en ingenio, ritmo y perfección. Nada más simple otro recuerdo de nosotros entre los árboles. Paisaje hecho música.

Tracklist

1. Det Er Mig Der Holder Træerne Sammen (Xploding Plastix Remix)

2. Legesag / Under Skyen Version

3. Plantage / TorsdagsHugo

4. Legesag / Under Skyen Version II

5. Mission (Jomi Massage Remix)

6. Plantage / HWrok-mix

7. Om Vinteren (Wäldchengarten Remix)

8. Lenin (Puzzleweasel Remix)

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Samme Stof Som Stof [2006] 

Samme Stof Som Stof, es el disco más reciente de UB, y en este disco los daneses se sumergen con la perfección en las atmósferas del post rock. Dejan de lado la mezcla de la electrónica de sus discos anteriores Kyst (1999) y Det Er Mig Der Holder Træerne Sammen (2002) para transformase en un grupo rock que piensa y hace rock, que a punta de baterías y guitarras entregan una perfecta unión con un piano íntimo y voces que parecen desaparecer, como el último hálito.

Samme Stof Som Stof nos demuestra que UB es una banda potente, intensa, que juega al límite de las capacidades vocales de su cantante, que en algún momento, abandonará ese cuerpo y volará, hacia ese íntimo viaje al que nos invitan en cada disco.

Tracklist

1. Pilot

2. Den Her Sang Handler Om At Få Det Bedste Ud Af Det

3. Tindrer

4. Heftig

5. Panterplanker

6. Af Samme Stof Som Stof

7. Film Og Omvendt

8. Mere Af Det Samme Og Meget Mere Af Det Hele

9. Siamesisk

10. Liste Over Sande Venner Og Forbilleder

11. Palads

12. Slå Sorte Hjerte

  

autor: Rael / comentarios de CD's: Ultimovicio