Thom Yorke, The Eraser

Thom Yorke / 'The Eraser'

XL records; 2006 / Tiempo Total: 41:02

THE ERASER / ANALYSE / THE CLOCK / BLACK SWAN / SKIP DIVIDED / ATOM FOR PEACE /

AND IT RAINED ALL NIGHT / HARROWDOWN HILL / CYMBAL RUSH

<Perdóname, pero debo preguntarlo: ¿Estas siendo amable solo porque quieres algo? Mi princesa árabe de cuento de hadas, se cuidadosa en tu respuesta, porque podrías terminar en esta canción. Nunca te alenté y eso está desalentándome. Me está desalentando… Cuanto más intentas borrarme, más y más y más aparezco.>

Son estas estrofas el comienzo del disco ‘The Eraser’ primer trabajo solista del cantante de Radiohead. Thomas Yorke tiene mucho que decir y su placa debut es el medio que este artista singular escoge para plasmarlo. Alejado de su banda embrión propone un disco casi minimalista, profundo en su contenido y de vanguardia. Un alegato sobre como la sociedad suele construir siniestros espacios de poder fragmentando los sentimientos e induciendo al individuo a la alienación, una temática que Yorke sabe expresar. ‘The Eraser’ es un disco experimental en el que los sonidos de los instrumentos fueron procesados en busca de una particular música electrónica y en el que Yorke utiliza diversidad de planos vocales y arreglos corales de su propia voz en una comunión admirable con la música lograda. El disco fue producido por Nigel Godrich, -colaborador habitual de Radiohead- que también toca algunos instrumentos y cuenta con la participación de otro miembro de la banda de Oxford, Jonny Greenwood, tocando piano en el tema que da título a la placa. Este disco fue editado en Julio de 2006 y desde el arte de tapa, diseñado por Stanley Donwood, comienza hablarnos. La elección de la figura del Rey Canuto intentando ejercer su autoridad para detener el irremediable avance de la oleada de mar que arrastra íconos de la arquitectura inglesa es una muestra de lenguaje comprometido que no concluye ahí. En el tema “Harrowdown Hill” hace alusión al sitio donde fue hallado el cadáver del Dr David Kelly, quien supuestamente se suicidó tras denunciar que el gobierno inglés habría mentido acerca de la posesión por parte de Saddam Husseim de armas de destrucción masiva en Irak, y Yorke, ha tomado partido haciendo declaraciones en torno al caso más allá del criterio artístico. La quejosa voz de Yorke no se calla aduciendo también que el digipack extensible realizado únicamente en cartón neutral que envuelve al CD debe entenderse como un aporte más al resguardo ecológico, y vale decir que este trabajo tuvo también una ‘Edición Limitada’ en formato vinilo. Una hermosa canción casi de ensueño es “Analyse” inspirada por las históricas construcciones de Oxford Central -donde habita Yorke- y por los candelabros que pudieron verse en las ventanas durante una noche de corte de suministro eléctrico, según palabras de su autor. Thom Yorke cuenta que la canción “Black Swan” data de las sesiones compositivas del álbum ‘Kid A’ y tuvo una suerte de antecedente en el filme ‘A Scanner Darkly’ de Richard Linklater. “Atom For Peace” responde al lema utilizado por la Agencia Internacional de Energía Atómica que nace del discurso dado por Dwight Einsenhover en 1953; mientras “And It Rained All Night” está inspirada en una noche lluviosa de Nueva York en la que Yorke, aparentemente, no durmió. El disco cierra con la melancólica “Cymbal Rush” una canción que comenzó a componer tres años atrás y una muestra más de como las bellas melodías procesadas generan hermosas canciones interpretadas por un muy buen cantante, porque Thom Yorke, es también un muy buen cantante.

autor: amnesiac

Jabberwocky... sinfónico, épico y majestuoso

CLIVE NOLAN & OLIVER WAKEMAN

‘Jabberwocky’

Verglas Music, 1999 / Tiempo Total: 53:42

OVERTURE (5:57) / COMING TO TOWN (2:55) / DANGEROUS WORLD (6:54) / THE FOREST (4:22) /

A GLIMMER OF LIGHT (2:42) / SHADOWS (4:19) / ENLIGHTENMENT (5:23) / DANCING WATER (4:12) /

THE BURGUNDY ROSE (3:55) / THE MISSION (4:32) / CALL TO ARMS (6:37) / FINALE (1:50)

CLIVE NOLAN & OLIVER WAKEMAN PROPONEN CON ‘JABBERWOCKY’ UN ALBUM DE ROCK SINFÓNICO, ÉPICO Y MAJESTUOSO.

Tal vez, si Rick Wakeman no hubiese grabado ‘Return To The Centre Of The Earth’, al mencionar a ‘Jabberwocky’ estaríamos hablando del álbum de Rock Sinfónico más importante de la década del 90. Es verdad que lo hecho por Rick no le quita mérito, ó al menos no debería quitárselo, al gran álbum que reúne a dos herederos de su estilo: Su propio hijo Oliver y Clive Nolan, admirador confeso de Rick y uno de los más virtuosos y prolíficos artistas de rock progresivo. Nacido desde la inspiración clásica de ‘Journey To The Centre Of The Earth’ ó ‘The Myths And Legends Of King Arthur And The Knights Of The Round Table’ y hermanado por contemporaneidad al nombrado ‘Return To The Centre Of The Earth’; ‘Jabberwocky’ demuestra que para las obras trascendentales no hay tiempo encapsulado.

La temática de ‘Jabberwocky’ está inspirada en el poema sin sentido del escritor inglés Lewis Carroll (1832-1898) y congrega una legión de músicos notables. Obviamente, Clive Nolan y Oliver Wakeman ejecutan teclados y comparten crédito en letras y música. Además Nolan produce el álbum, para el sello Veglas, junto a Karl Groom. (El ex Yes) Peter Banks toca guitarras; Ian Salmon (quien comparte trabajo con Clive en la agrupación Shadowland) toca bajo y guitarra; Tony Fernandez (eterno colaborador de Rick Wakeman e integrante de The English Rock Ensemble) quien sabe como tocar este tipo de obras con admirable precisión, ejecuta batería; Jon Jeary toca guitarra acústica; Peter Gee (otro compañero de trabajo de Clive, en este caso en Pendragon) toca bajo. Las voces también son calificadas: El propio Rick Wakeman es el encargado de abrir la placa en su rol de ‘Narrador’, recitando justamente, el poema original que Carrol incluyera en su obra ‘Alice Through the Mirror’ para dar paso a una grandilocuente “Overture” de casi seis minutos instrumentalmente maravillosos, en la que la voz del legendario Bob Catley, interpretando a ‘El Niño’, es acompañada por un coro estremecedor. De allí en adelante no serán menos sentidas las emociones que despierta este trabajo. En la rítmica canción “Coming To Town”, a la voz de Catley se suma la dulzura de la vocalista (de Stangers On A Train otra de las bandas de Clive) Tracy Hitchings en su bellísima interpretación de ‘La Niña’, para juntos iniciar el viaje que los conducirá al encuentro con el Jabberwock, una enorme criatura alada que habita los bosques, interpretado por James Plumridge, que hace su ingreso en “Dangerous World” el tercer tema de esta placa netamente teatral. Así presentados los personajes principales, el oyente es transportado a la épica marcha titulada “The Forest” con un trabajo instrumental soberbio, una base bajo-batería que trae el recuerdo del monumental álbum ‘The Wall’ de Pink Floyd y un coro cantado en latín tan rayano a lo perfecto como lindero a lo sublime.

‘Jabberwocky’ conjuga motivos clásicos con neo-progresivos. “A Glimmer Of Light”, otra pieza cantada por Hitchings, es una de las composiciones más introspectivas de este disco y precede al extraordinario “Shadows” un tema instrumental que evidencia el carácter de esta ambiciosa obra sinfónica. “Shadows” alcanza un pico tal de emotividad que le permite al siguiente tema, “Enlightenment”, ser una suerte de renacimiento del disco y la primer intervención de otra interesante voz, la del cantante Paul Allison en su rol de ‘El Arbol’. Una breve estrofa de la letra de dicha canción parece resumir el espíritu impulsor de este álbum: ‘Las Grandes y Nobles Acciones’.

El disco en cuestión trae un mini-afiche a modo presentación de la obra realizado por el ilustrador Rodney Matthews que sirve también de portada para el CD, y vale destacar que Rodney posee una de las galerías de ilustraciones fantásticas más interesantes entre los ilustradores ingleses contemporáneos. Otra pieza teatral es “Dancing Waters” que articula notables cambios rítmicos de acuerdo a la intervención de los diferentes personajes, los cuales se unen en un interesante final ‘casi-gospel’ a tres voces. En la emotiva balada “The Burgundy Rose” puede destacarse la belleza del piano, el sintetizador y la guitarra acústica que dan paso a “The Mission” una encendida canción con cierto aire pop de los años ‘80 que sirve de plataforma para el siguiente tema, la genial mini-suite “Call To Arms” que se potencia con el gran “Finale” y una explosión instrumental que retoma la línea melódica de la obertura inicial para cerrar circularmente este extraordinario trabajo.

Para los interesados en este tipo de obras, vale acotar que Clive Nolan & Oliver Wakeman volvieron a reunirse en 2002 para grabar otro álbum sinfónico, aunque de temática más oscura de resultado no menos brillante bajo el nombre ‘The Hound Of The Baskervilles” e inspirado en la novela de Sir Arthur Conan Doyle, y que Clive tuvo el deparo de enaltecernos interpretando parte de él en sus visitas junto a Agnieszka Swita, en ocasión de presentar la obra ‘She’ en Argentina.

 extracto: nueve/octavos magazine

Camel, A Nod And A Wink

Reescuchamos el Excelente Último disco de Camel...

Camel / 'A Nod And A Wink'

Camel Productions; 2002 / Tiempo Total: 55:46

A Nod And A Wink / Simple Pleasures / A Boy’s Life / Fox Hill /

The Miller’s Tale / Squigely Fair / For Today.

EXCELENTE DISCO DE CAMEL, CON RENOVADA FORMACIÓN Y EL ESPÍRITU DE SUS GRANDES OBRAS DE LOS NOVENTA´S.

Tras concebir la más importante trilogía musical de la década del noventa con ‘Dust And Dreams’ (1991), ‘Harbour Of Tears’ (1996) y ‘Rajaz’ (1999); Camel se encontró ante el gran desafío de un nuevo álbum en el nuevo milenio, y la llegada de ‘A Nod And A Wink’ no ha sido asunto menor. La banda se ha reformulado y el arribo de Guy Leblanc le ha dado notable presencia a los teclados. El álbum fue grabado entre Abril y Junio de 2002 en los estudios Little Barn y Andy Latimer (comparte créditos con Susan Hoover y Leblanc) concibió un disco de canciones, inspirado en los sueños de un niño. El tono del disco, en líneas generales, es similar a sus predecesores con respecto al dominio nostálgico y melancólico, aunque en particular, Camel recupera el humor de antaño. Demás está aclarar que la sociedad Andy Latimer - Colin Bass sigue funcionando de maravillas y a ello se debe gran parte del mérito alcanzado por este disco.

La placa fue producida por el propio Andy Latimer y abre con el tema que le da título “A Nod And A Wink” (11:16). Sus aires de campiña, el sonido de un tren que parte impregnándose de la característica voz de Latimer y su inconfundible estilo para ejecutar guitarras y flauta ofician un prometedor inicio, y ello, no es detalle menor en un álbum de notorios puntos altos. Con el tic-tac del reloj parece conciliarse el sueño del niño y sus visiones nocturnas en este tema intimista, melódico y de extenso pasaje instrumental plagado de sentimiento. La batería corre por cuenta de Denis Clement, quien ha reemplazado, nada menos, que al notable Dave Stewart. “Simple Pleasures” (5:31) es un tema con cierto aire blues, en el que la guitarra de Andy Latimer pareciera hermanarse por momentos a las de David Gilmour o Mark Knofler, mientras el tandem Guy Leblanc (teclados) Colin Bass (bajo) en algún instante abandonan el territorio jazz y se permiten un guiño con alguna base funky. “A Boys Life” (7:20) es un tema de comienzo acústico, en el que Latimer canta sus breves estrofas de manera muy inglesa en una primera parte, para luego derivar en un estado de somnolencia, marcado por la progresión y psicodelia, que concluyen con un épico final. Indudablemente, la sorpresa llega con “Fox Hill” (9:19) una expresión casi-teatral, reminiscente a las grandes obras de los 70’s y de notoria cercanía al Genesis de Peter Gabriel. Latimer imagina un ocurrente encuentro entre un niño, su caballo y un zorro. “The Miller’s Tale” (3:34) es una emotiva balada que retoma la calma; mientras “Squigely Fair” (8:02) puede considerarse un instrumental típicamente cameliano que transportará al viejo oyente a los mejores pasajes de tan sólo dos, o tres, décadas atrás. El canto del gallo parece anunciar el fin del sueño y un despertar feliz. Sonido campestre, alguna cercanía folk, buena dosis jazz-rock en una suite climática con un final melodramático.

El cierre de la placa se da con “For Today” (10:40) que probablemente ingrese a la galería de los más sentidos y emotivos temas compuestos por Camel. Una canción escrita en respuesta al 11 de Septiembre de 2001 y una letra que invita a disfrutar la vida sin esperar una segunda  oportunidad.

Andy Latimer ha demostrado ser un músico notable, un artista coherente, fiel a sus principios, y el posicionamiento de Camel hoy, es indudablemente, consecuencia de esa postura. Valedero resulta entonces que nunca haya abandonado su estilo ni la ruta progresiva, mientras con ‘A Nod And A Wink’, Camel se reafirma como una de las más vigentes y creativas bandas, justamente, a 30 años de su fundación. Y a ello hace mención Andy Latimer en la cartilla interna del CD, agradeciendo a todos y cada uno de los músicos que integraron las diferentes formaciones y con una emotiva dedicatoria al recientemente fallecido Peter Bardens.

Personal:

Andrew Latimer: guitarra, flauta, teclado, voz.

Guy Leblanc: teclado, coros.

Colin Bass: bajo, coros.

Denis Clement: batería.

Terry Carleton: batería (track 2 y 6) percusión, coros (track 7).

J.R. Johnston: coros (track 7).

extracto: nueve/octavos magazine

Fish, 13th Star

El disco que estábamos esperando...

Fish / '13th Star'

Chocolate Frog; 2007 / Tiempo Total: 55:37

 

CIRCLE LINE (6:04) / SQUARE GO (5:31) / MILES DE BESOS (4:22) / ZOE 25 (5:19) /

ARC OF THE CURVE (4:29) / MANCHMAL (Sometimes) (5:42) / OPENWATER (5:07) /

DARK STAR (6:48) / WHERE IN THE WORLD (6:05) / 13th STAR (5:41)

EL CANTANTE ESCOCES VOLVIO A LOS ESTUDIOS

PARA GRABAR SU DECIMOTERCER TRABAJO, INSPIRADO POR ALGO DE TRAGEDIA PERSONAL

Y DESARROLLANDO UN ALBUM CONCEPTUAL

QUE HA DE SITUARSE ENTRE SUS MEJORES DISCOS.

Una vez más, otra suerte de terapia contra el dolor. Parece ser que Fish nos va acostumbrando a eso con una escena repetida en sus últimos lanzamientos. Su nuevo álbum de estudio ‘The Thirteenth Star’ llegaría como corolario de su buen momento personal: Su anunciado matrimonio con Heather Findland, cantante de Mostly Autumn, y la planificada ‘Edición Limitada’ de este trabajo que contiene un generoso  booklet de 20 páginas full color ilustradas por Mark Wilkinson y un DvD de 64 minutos de duración con el making off, pondrían el broche dorado al proyecto. Sin embargo, Fish rompió su relación con Findland a días de contraer nupcias y es verdad que existe una ‘Edición Especial Limitada’ de los primeros 10.000 ejemplares de este CD que pudieron ser ordenados por correo a través del sitio web del cantante, no obstante ello, el ex Marillion decidió lanzarlo ‘normalmente’ a través del sello Chocolate Frog, de su propiedad. Para quienes anhelan más, una ‘Edición Especial Limitada Doble Vinilo’ de 2.000 ejemplares que incluye en La Cara 4 tomas en directo de la gira en Roma y en The Paradiso, Amsterdam puede resultar atrayente. Una vez más, otra suerte de terapia contra el dolor. Parece ser que desde allí nacen los grandes trabajos de Fish. Ya le había ocurrido una situación similar con ‘Field Of Crows’, álbum en el que hizo suya la frase del célebre pintor Vincent Van Gogh “La Trístesse Durera” en un momento en que sus finanzas y su relación de pareja parecían desmoronarse. Vale acotar, que Fish acaba de lanzar un muy buen CD doble, acústico en vivo, llamado ‘Communion’ con el registro de la Convención de Agosto de 2006 en la iglesia St Mary’s Church, Haddington, Escocia, con su hija Tara Rowena Dick y Heather Findlay como coristas de 19 piezas interpretadas en gran forma por su banda y que puede adquirirse a través del sitio oficial del cantante exclusivamente.

Algunos artistas han grabado álbumes de ‘divorcio’ tal el emblemático “Blood On The Tracks” de Bob Dylan, “Face Value” primer disco solista de Phil Collins, “Over” de, quien Fish ha reconocido abierta admiración e influencia, Peter Hammill, y… ¿por qué exceptuar a ‘13th Star’ como consecuencia de una ruptura amorosa? Verdaderamente, Fish ha logrado un trabajo incitante y sutil a la vez, con referencia a su desavenencia sentimental, pero hecha de manera reflexiva más que recriminatoria, y con una carga emocional inobjetable. ‘13th Star’ es un muy buen disco, con el nivel de sus últimas producciones en términos generales, desde el ecléctico ‘Raingods With Zippos’, aquel disco que contiene la magnífica suite de algo más de 18 minutos de duración titulada “Plague Of Ghosts”, uno de sus mejores temas solista, pero ‘13th Star’ se engrandece por el tratamiento conceptual dado a la placa. El decimotercer lanzamiento de estudio de Derek W. Dick plantea un viaje metafórico y descriptivo, en el que articula una historia impregnada con algo de tragedia personal, pero también con momentos de genuina esperanza y superación ante la adversidad.

Buena apertura de la placa con el tema “Circle Line”, de cierto clima opresivo y aire de música industrial, desde la siempre atrapante pluma poética del cantante escocés. En una línea similar, aunque con mayor distorsión sonora llega “Square Go”, una canción oscura en la que Fish parece escupir bronca y soledad: ‘Soy un soldado en guerras permanentes, sin fotos familiares en mi bolso’ o al menos irradiar ese tipo de sentimientos desde su garganta, y un final de caja musical que se entrelaza con el comienzo de “Miles de Besos”, un tema introspectiva y lleno de poesía visual, con Fish haciendo suyo el idioma español, dice, inspirado a partir de una carta recibida desde Santiago de Chile. El disco fue grabado en The Studio, Escocia y producido por Calum Malcolm. Nuevamente, Fish se reúne con Steve Vantsis (bajo) (con quien comparte crédito en la composición de ocho de los diez temas de la placa) y Frank Usher (guitarra) quien viene acompañándolo desde ‘Vigil In A Wilderness Of Mirrors’ su primer trabajo solista, y retorna otro de sus colaboradores habituales, Foss Paterson con un interesante trabajo en teclados y piano. El baterista es Gavin Griffiths, integrante de la agrupación Karnataka, Dave Haswell ejecuta percusión y Chris Johnson, integrante de Mostly Autumn, toca guitarra eléctrica y acústica en tres de los temas. Dicha columna vertebral concibe instrumentalmente un álbum interesante de comienzo a fin que cuenta con un bello acompañamiento coral de Lorna Bannon, poseedora de una voz tan encantadora como para que uno desee mayor participación de ella en el disco, entendiendo de todos modos, que se trata del disco de un cantante. Un disco clásico y moderno a la vez: Progresivo en toda su dimensión. En un momento en que el álbum de concepto corre peligro como entidad ante tantos oyentes de canciones simplista, Fish vuelve a la escena con uno de ellos. En un momento en que el álbum original corre riesgo de extinción, ante una inmensa catarata de música bajada desde la web, sería bueno reflexionar sobre el caso y en nombre de Fish acudir a la tienda de discos a comprar un original de ‘13th Star’: La recompensa será grande y segura.

Su voz áspera, madura, en buena forma le canta a la postura femenina en “Zoë 25” sobre una bellísima melodía, esa melodía que va trasladándose y transformándose a lo largo del disco para darle forma a este trabajo con permanente alusión a las estrellas. Casi una continuidad de “Zoë 25” es “Arc Of The Curve”, una nostálgica y conmovedora canción de amor en la que Fish desnuda un tiempo en que junto a su pareja sentían poder tocar las estrellas. En “Manchmal” (utiliza como título de la canción un vocablo alemán que significa ‘A Veces’) Fish recupera esa forma expresionista tan característica en él, como si intentase un guiño cómplice a “The Perception Of Johnny Punter”, aquel tema con que abría el álbum ‘Sunset Of Empire’ y que compusiera junto a Steven Wilson. “Manchal” es una inteligente metáfora acerca de la traición y el abandono en la que Fish utiliza la imagen de la tortuga, el escorpión y una alianza explícita para cruzar juntos el río hasta el otro margen: ‘Siento que vas a dejarme, sé que vas a romper el acuerdo y voy ahogarme en mi propia pena’. El disco es completamente visual. Claro, Fish es uno de los cantantes con mayor capacidad para componer paisajes fonéticos. Canciones plenas de imágenes y metáforas.

“Openwater” inicia con un relato, para luego convertirse en una rítmica canción y finalizar con un riff furioso, dando paso al punto más alto del CD: Grandilocuente y orquestal llega “Dark Star”, un tema de climas cambiantes y lírica aguda. Una pieza melodramática compuesta a modo de mini-suite, con alegorías expresadas a través de la muerte de una estrella. Casi como un renacer le sigue “Where In The World”, en la que Fish expone sus sentimientos: ‘Este último año estuve enamorado, este último año fue un sueño’. Una canción hermosa y reflexiva, de las más emotivas de este disco, el disco de Fish que estábamos esperando realizara. El cierre se da con el tema que comparte título con la placa, “13th Star”, otra canción intimista, con rasgos de música tradicional de su tierra, casi un canto de supervivencia, como esa alquimia buscada para transformar ciertas heridas y comenzar a ver con claridad: ‘Entonces tu me enseñaste el camino, y yo lo seguiré, en el fin de mis días, lo seguiré, me enseñaste el camino a la decimotercer estrella… Seguiré la decimotercer estrella’.

Acerca del citado ‘Blood On The Tracks’, Bob Dylan reflexionaba: ‘Un montón de personas me dijeron que habían disfrutado del disco. Fue duro para mí. Me pregunto: ¿Cómo puede la gente disfrutar de esta clase de dolor?’. Una situación similar a la descripta por Dylan logra despertar ‘13th Star’ e inevitablemente, cabe la pregunta: ¿Cómo pude disfrutar tanto de esta clase de dolor..?

Personal:

Fish; voz

Steve Vantsis; bajo, guitarra eléctrica y acústica

Frank Usher; guitarra eléctrica y acústica

Foss Paterson; teclados, piano, acordeón

Gavin Griffiths; batería

Chris Johnson; guitarra eléctrica y acústica

Lorna Bannon; coros

Dave Haswell; percusión

 

autor: Neon / contacto: neon_polen@yahoo.com.ar

extracto: nueve/octavos magazine.

Yes, Tales From Topographic Oceans

 

Atlantic, 1973

 

Disc One:

1. THE REVEALING SCIENCE OF GOD. Dance Of The Dawn (20:27)

2. THE REMEMBERING. High The Memory (20:38)

Disc Two:

3. THE ANCIENT. Giant Under The Sun (18:34)

4. RITUAL. Nous Sommes Du Soleil (21:35)

TRAS EL MAGNIFICO ALBUM 'CLOSE TO THE EDGE', YES SE PLANTEA

LA CONCEPCION DE SU DISCO MAS AMBICIOSO, UNA EXTENSA OBRA
EPICA INSPIRADA EN LAS ESCRITURAS SAGRADAS DE LA INDIA.
'TALES FROM TOPOGRAPHIC OCEANS' ESTARIA INTEGRADO POR
CUATRO PIEZAS DE MUSICA ENLAZADAS ENTRE SI DE ALREDEDOR
DE VEINTE MINUTOS DE DURACION CADA UNA.

EL PECULIAR RESULTADO HIZO TAMBALEAR A LOS DIRECTIVOS
DE LA COMPAÑIA DISCOGRAFICA, FUE INCOMPRENDIDO EN SU EPOCA
Y REVALORIZADO CON EL PASO DEL TIEMPO. 
REPASAREMOS EN LAS SIGUIENTES LINEAS, UNO DE LOS MAYORES
TRABAJOS DEL ROCK PROGRESIVO.

‘Tales From Topographic Oceans’ es un álbum paradigmático dentro de los de rock progresivo y el más ambicioso trabajo de Yes. Se trata de su sexto disco de estudio y con él la banda obtuvo el cuarto disco de oro, fue número 1 en los rankings del Reino Unido y permaneció durante 27 semanas en el puesto 6 de los Estados Unidos.

Los días posteriores a la grabación de ‘Close To The Edge’ llegarían con algunos cambios en el seno de la agrupación. Yes se encontraba atravesando un gran momento profesional con el logro de dicho álbum y con el éxito obtenido por ‘Fragile’ su anterior trabajo de estudio. A pesar de ello, el baterista Bill Bruford, decide alejarse de la banda para sumarse luego a King Crimson. Bruford ofreció cumplir con la gira que Yes tenía pactada realizar hasta fin de año, pero Jon Anderson consideró que si su decisión de abandonar la agrupación estaba tomada, ese era el momento indicado para hacerlo y buscar su reemplazante.

Alan White integraba la banda de soul progresivo Griffin cuando John Lennon lo vio actuar e invitó viajar a Canadá para tocar junto a Eric Clapton, Klauss Voorman y Yoko Ono en la Plastic Ono Band. Esto le sirvió a White para ganar un renombre y encarar algunos otros proyectos posteriores hasta su arribo a Yes. Alan había tenido un acercamiento previo a la banda durante las sesiones de grabación de ‘Close To The Edge’ debido a su amistad con el productor Eddie Offord. Fue entonces, que a poco menos de una semana de iniciar la gira americana, Alan White se convierte en el nuevo baterista de Yes haciendo su debut oficial el 30 de Junio de 1972 en Dallas, Texas, tras cuatro días de ensayos. Parte de esta gira fue incluida en el monumental álbum triple llamado ‘Yessong’, editado en Mayo de 1973 y que puede apreciarse en nuestros días, al menos en parte, en formato DvD con imágenes capturadas del show brindado en London’s Rainbow Theatre, Diciembre de 1972. Ya incorporado Alan White y con la cuarta formación consolidada, Yes se plantea la concepción de su álbum más ambicioso. Gran parte de ‘Tales From Topographic Oceans’ fue concebido en guitarra por Steve Howe y Jon Anderson durante la gira presentación de ‘Close To The Edge’ e inspirado en las lecturas de Jon por esas épocas. “Nos hallábamos de gira en Tokio cuando tuve algunos minutos para mi mismo en la habitación del hotel antes del concierto vespertino. Hojeando el libro ‘Autobiografía De Un Yogui’ de Paramhansa Yoganada quedé absorto en la larga nota al pie de la página 83. En ella se describían las cuatro partes de las escrituras sagradas de la India que comprendían todos los aspectos de la religión y la vida en sociedad, abarcando también otros campos como la medicina y la música, el arte y la arquitectura.”  relataba Anderson. Desde hacía algún tiempo, Jon Anderson había estado buscando un tema para una extensa composición. Tan verdaderos en su carácter le resultaron los Shastras, que de inmediato pudo visualizar allí y entonces, la existencia de cuatro piezas de música entrelazadas que se encontraban alrededor de ellos. A medida que avanzaba la gira por los Estados Unidos, Europa, Japón y Australia, también lo hacían las composiciones que integrarían dicho álbum. “Para el tiempo que llegamos a Savannah, Georgia, las cosas estaban ya bastante adelantadas y habían tomado forma. Allí durante una sesión de seis horas que se prolongó hasta las siete de la mañana, llegamos a concretar los lineamientos fundamentales de la música, voces y letras de los cuatro movimientos”. Estos cuatro movimientos a los que hace mención Jon Anderson pueden definirse como ‘Shrutis’; ‘Suritis’; ‘Uranas’ y ‘Tantras’ y puede decirse que dicho descubrimiento fue revelador y le significó algunos cambios de hábitos y costumbres de vida. Chris Squire, Rick Wakeman y Alan White harían importantes contribuciones personales a lo largo de los cinco meses de trabajo que llevaron los arreglos, ensayos y grabación de ‘Tales From Topographic Oceans’. A pesar de ello, el más reticente a la idea general del disco fue Rick Wakeman quien a medida que avanzaba el proyecto, e impulsado en parte por el éxito obtenido con su primer disco solista ‘The Six Wives Of Henry VIII’, elaboraba la idea de alejarse de la banda en breve tiempo.

‘Tales From Topographic Oceans’ fue grabado en los Morgan Studios durante fines del verano y comienzos del otoño de 1973 y fue producido por Yes y Eddie Offord. Dicho trabajo llega a las bateas de las disquerías en Noviembre, cada lado de la placa del álbum doble vinilo presenta un tema y su magnífica portada fue ilustrada por Roger Dean. La ambiciosa estructura musical de ‘Tales From Topographic Oceans’ hizo tambalear a los directivos del sello Atlantic, y las críticas contemporáneas al álbum no fueron, precisamente, las más favorables a Yes por la concepción de tan extravagante obra. El hecho de que ‘Tales From Topographic Oceans’ haya sido ejecutado en su totalidad en vivo, incluso antes de que el disco saliera a la venta, provocó comentarios diversos. Suele afirmarse que fue una decisión errónea, desde la perspectiva que da el paso del tiempo y teniendo en cuenta la fragmentada recepción por parte del público. Los fans incondicionales a Yes valoraron de inmediato este trabajo, pero gran parte de sus oyentes y de la prensa deslizó algún comentario contrario que terminó afectando la estabilidad interna de la banda. No obstante ello, la gira americana fue todo un suceso con un gran atractivo visual. La escenografía diseñada por los hermanos Dean y los efectos de luces logrados por Michael Tait le dieron el marco adecuado a magnánima obra y conformaron un espectáculo sorprendente y a la vez desconocido hasta la época, entre los ofrecidos en un concierto de rock. El avance de la gira hizo que lados enteros del disco desaparecieran del set-list, incluyendo a cambio temas clásicos de la banda. No obstante ello, Rick Wakeman continuaba sintiendo diferencias con el resto de los integrantes de Yes y su alejamiento se produciría a mediados de 1974, tras una reunión pactada en Holiday Inn, a la que Rick nunca acudió.

“Luego de finalizar la gira pensé: Si esta es la dirección que la música de Yes va a tomar, es conveniente que me aleje de la banda.” afirmaba Rick Wakeman.

Una visión retrospectiva, permite pensar que luego de concebir el álbum ‘Close To The Edge’, considerado no pocas veces, el disco por excelencia de rock progresivo, Yes se encontraba ante el interesante desafío de superar tamaña obra. Una banda ambiciosa como Yes podía enfrentar dicho desafío de diferentes formas. Desde que The Beatles cambiaron el rumbo sumergiéndose en la cultura oriental a mediados de los años 60’s el refinado rock inglés no hizo caso omiso a dicho acto y para Yes había llegado el momento de impregnarse esa mística. Concebir música sumamente elaborada, como Yes la concebía, en términos de meditación fue el desafío y la decisión acertada para que ‘Tales From Topographic Oceans’ cobrara vida. Un disco doble integrado por solamente cuatro temas, habla de por sí, que Yes estaba decidido a no simplificar su propuesta. Jon Anderson, el responsable de las letras, explicaba que la primer parte narra la existencia de Dios y su Revelación. La segunda parte se refiere a Recuerdos profundos albergados en la memoria. La tercer parte reflexiona acerca de las Civilizaciones Antiguas; mientras la última de las partes lo hace acerca del Ritual de la vida misma, basado en las escrituras del sánscrito. En cada uno de los movimientos que componen ‘Tales From Topographic Oceans’ cada uno de los integrantes de Yes tenía un espacio propio para lucirse instrumentalmente y este hecho es otra de las particularidades de la paradigmática obra. La profundidad de tales letras lleva a que la música emergente sea de una factura soberbia, plagada de climas y sensaciones. En ese momento, Yes estaba generando obras de tal magnitud que resultan asombrosas las declaraciones de Jon Anderson por esa época; “El grupo no pretende parecer intelectual, tratamos de incorporar nuevas formas musicales y nuevos mensajes, pero eso no implica que entretener deje de ser nuestro principal fin”.

Los años transcurridos desde la aparición de ‘Tales From Topographic Oceans’ han situado a dicho trabajo en un lugar de privilegio entre los álbumes más pretenciosos de rock progresivo y como una pieza lógica en la evolución de Yes como banda. Su desmedida ambición ha sido definida por Chris Squire; “Era como tratar de correr antes de poder caminar, ó al menos, estábamos tratando de correr y caminar al mismo tiempo. La idea era bastante lógica, pero la realización y el esfuerzo que demandaba no fue totalmente apreciado por todos los que participamos. Pudimos haber hecho un disco más cohesivo, pudimos haberlo acortado, pudimos haber dedicado más tiempo a ese disco, pero bueno, fue así como lo hicimos.”

Personal:

Jon Anderson; voces.

Steve Howe; guitarras y coros.

Chris Squire; bajos y coros.

Rick Wakeman; teclados.

Alan White; percusiones.

Los Cuatro Movimientos de 'Tales From Topographic Oceans'

Primer Movimiento: SHRUTIS.

La ciencia reveladora de Dios puede ser vista como una flor permanentemente abierta, de la cual emergen las verdades simples, registrando las complejidades y la magia del pasado, y nos hace ver que no deberíamos olvidar nunca la canción que se nos fue dado escuchar. El conocimiento de Dios es una indagación objetiva y constante.

Segundo Movimiento: SURITIS.

Rememorando. Todos nuestros pensamientos, impresiones, conocimientos, temores, se han ido desarrollando en el transcurso de millones de años. Nosotros, a través de nosotros mismos, podemos referirnos solo a nuestro propio pasado, vida e historia. Aquí es el teclado de Rick, el que proyecta vivos el reflujo y el flujo del ojo de nuestras mentes: El Océano Topográfico. Afortunadamente notamos que ciertos aspectos dados en el tiempo no son tan significativos como la naturaleza de lo que está impreso en nuestra mente, y el modo como esto es retenido y utilizado.

Tercer Movimiento: URANAS.

Los antepasados. La antigüedad indaga aún más profundamente en el pasado más allá del punto de la recordación. Aquí la guitarra de Steve, es el pivote para la aguda reflexión sobre las bellezas y los tesoros de las civilizaciones perdidas: India, China, Centro América, Atlántida. Estas y otras gentes dejaron un inmenso tesoro de conocimientos.

Cuarto Movimiento: TANTRAS.

El ritual. Los siete puntos de la sabiduría para aprender y conocer el ritual de la existencia. La vida es una lucha entre las fuerzas perniciosas y el amor puro. Alan y Chris presentan y transmiten la pugna de la que resulta luego la causa positiva. Nous sommes du soleil. Nosotros somos el sol. Nosotros podemos ver.

Marillion, El Rock Progresivo en los años 80

 

DESDE SU SURGIMIENTO A FINALES DE LOS AÑOS 60 Y DURANTE
SU APOGEO EN LA PRIMER MITAD DE LA DECADA DEL 70,
EL ROCK SINFONICO & PROGRESIVO SE CONVIRTIO, PROBABLEMENTE,
EN LA VERTIENTE DEL ROCK CON MAYOR NIVEL DE VIRTUOSISMO.
CUANDO LAS COMPAÑIAS DISCOGAFICAS MIRARON EN OTRA DIRECCION
Y MIENTRAS LA CRITICA QUE LO HABIA ENALTECIDO COMENZABA A MENOSPRECIARLO O SIMPLEMENTE IGNORARLO, UN PUÑADO DE BANDAS ENARBOLARON LOS PRINCIPIOS DEL ROCK SINFONICO & PROGRESIVO
PARA IMPEDIR SU CREPUSCULO. EL PRINCIPAL EXPONENTE DE DICHO
ACTO FUE MARILLION, UN GRUPO DE ORIGEN INGLES, QUE CAPTO
LA ATENCION A PARTIR DE SUS ACTUACIONES EN EL MITICO REDUCTO
MARQUEE DE LONDRES.

El origen de Marillion puede hallarse en una formación de música instrumental que, en alusión al libro escrito por J.R.R. Tolkien, fue llamada Silmarillion y fundada en Aylesbury, Bucks, England; Diciembre de 1978, e integrada por Mick Pointer (batería de la banda Electric Gipsy); Brian Jelliman (teclados) y Doug Irvine (bajo). Tras el ingreso de Steve Rothery (guitarra) producido en el verano de 1979, deciden acotar su nombre e incorporar un cantante. Un año después, en Bicester, Dereck W. Dick (Fish) se suma a Marillion como letrista y vocalista. Mark Kelly sustituiría a Jelliman en los teclados para Noviembre de 1981, mientras Pete Trewavas (bajo) hace lo propio con Diz Minnitt (quien a su vez había reemplazado a Irvine). Marillion actúa reiteradamente en la escena under londinense durante 1982 y la prensa y público hacen eco de ello debido a las notorias presentaciones de la banda, su novedosa música, las impactantes actuaciones e, indudablemente, al sentido poético que Fish le da a las letras. Ya por esa época, el cantante escocés subía a escena con maquillajes que trazarían un paralelo a la mayor expresión intelectualizada del rock teatral: el Genesis de Peter Gabriel.

En Septiembre, Marillion firma contrato con la compañía discográfica EMI (quien publicará sus trabajos durante la siguiente década) para grabar su primer álbum e iniciar una gira europea junto a otra de las nacientes bandas del neoprogresivo, Pendragon. El Simple debut grabado por Marillion fue “Market Square Heroes” conteniendo la suite “Grendel” como Lado B en el vinilo 12” original.

El primer álbum de la banda fue llamado ‘Script For A Jester’s Tear’, fue grabado durante los meses de Diciembre de 1982 – Febrero de 1983 y editado en Marzo. Dicho debut presenta a una banda cautivante, que halla su fuerza principal en excelentes letras unidas intrínsecamente a complejas estructuras de música progresiva. ‘Script For A Jester’s Tear’ es un disco oscuro, integrado por seis extensos, profundos y exclamativos temas. La tristeza existencial es el motivo principal de esta placa básica y fundamental en la discografía de Marillion, fue producido por Nick Tauber y mezclado por Simon Hanhart en los Marquee Studios de Londres y el arte de tapa pertenece a Mark Wilkinson, una paleta que quedará registrada para la posterior obra de Marillion.

Mick Pointer (quien luego fundaría otra destacada banda del neoprogresivo, Arena) decide alejarse de Marillion, y lo hace  tras la presentación del 18 de Abril en el Hammersmith Odeon, London. Dicho acto queda plasmado por las cámaras y recientemente editado en formato DvD bajo el nombre ‘Recital Of The Script’ que incluye una presentación de la banda en el legendario Club Marquee de Londres y una entrevista a Fish tras la actuación.

Luego de la partida de Mick, una serie de inconvenientes se suscitarían  en torno a su reemplazo. Un nuevo baterista, Jonhatan Mover, graba el tema “Punch & Judy” que sería el primer corte del segundo álbum de Marillion y le suceden nombres como John Martyr y Andy Ward hasta la llegada del ex-baterista de Steve Hackett, Ian Mosley.

El encuentro entre Ian y Fish se produce durante una visita a Edinburgh, posterior al tour de ‘Script For A Jester’s Tear’ y una ‘prácticamente innecesaria audición’, según palabras de Fish, lo uniría definitivamente a la banda.

Luego de una única presentación en Glastonbury Festival, Marillion ingresa a los remotos Mountain Studios, Wales, a componer nuevo material para su siguiente álbum llamado ‘Fugazi’. La grabación se produjo durante Noviembre de 1983 – Febrero de 1984 y resultó dificultosa desde el comienzo, debido a que encuentra a la banda de gira y en plena actividad.

Gran parte del mérito de la grabación se debe a la habilidad del productor, Nick Tauber, quien supo manejar los tiempos y actividades, concretando el disco en, al menos, cuatro estudios de grabación diferentes. ‘Fugazi’ es un álbum melodramático e intrigante que sitúa a la  banda en el pedestal de la denuncia social, aunque Marillion nunca abandonó el arte para provocar dicha denuncia. El álbum abre con la canción “Assasing”, este tema tomaría forma de video y sería lanzado por EMI como Simple promocional de la agrupación, conteniendo como Lado B el tema “Cinderella Search”. El tour fue llamado ‘Punch & Judy’ incluyendo apariciones en la TV de Manchester en el Oxford Road Show donde Steve Rothery y Mark Kelly arribaron a dicha presentación para retornar a Londres horas después de la exhibición en vivo y continuar con la mezcla del álbum. Simon Hanhart recuerda sus días de trabajo en diferentes estudios: Maison Rouge, Abbey Road, Manor, Sarm East y se sabe que la grabación del tema “Incubus” fue completada en los estudios Eel Pie, de Pete Townshed. Paradógicamente, el track que da título a la placa, fue el único que no habían terminado al momento de iniciar la gira.  Para Fish, ‘Fugazi’  fue  un  período de profunda y deliberada creación, las canciones son impresionantes e “Incubus” es la favorita de sus siete años en el grupo.

En 1984, es lanzado también un disco en vivo de Marillion titulado ‘Real To Real’ que contiene registros en The Spectrum, Montreal, Canada, 19 y 20 de Junio; al que se suman registros de la presentación del 5 de Marzo en De Montford Hall, Leicester, England.

La obra cumbre de Marillion llegaría en 1985 con su tercer álbum de estudio. ‘Misplaced Childhood’ fue grabado durante los meses de Marzo – Mayo en los Hansa Ton Studios, Berlin, Alemania; y es un alegato a la pérdida de la inocencia y una denuncia social agravada por el hecho de realizarla desde la visión de un niño insano. Marillion suma a su compleja estructura musical, motivos pop que le permiten éxito comercial. No obstante ello, ‘Misplaced Childhood’ es una obra conceptual con una única interrupción sonora (inevitable para invertir el vinilo) que marca un antes y un después en la vida de la banda. Considerado como el mejor álbum de la década y situado entre los cinco mejores del rock progresivo, en este brillante trabajo, Marillion une las canciones a través de puentes musicales que convierten al álbum en un todo indivisible. Fish concibe (una vez más desde su óptica personal y experiencias) un canto a la niñez extraviada, la inocencia, el amor, las frustraciones y su visión partícular de la sociedad. Un melancólico relato de extrema sensibilidad y gran madurez musical. El álbum fue producido por Chris Kimsey y grabado por Thomas Steimler. La canción “Kayleigh” se convierte en un himno que las radios del mundo entero no dejan de reproducir.

Tras el suceso del tour europeo, Marillion viaja a América para actuar junto al trío canadiense Rush e iniciar su mayor gira en territorio de los U.S.A. Para celebrar dicho tour es lanzado  el mini-álbum  llamado  ‘Brief Encounter’, dedicado a los fans estadounidenses, que contiene dos temas de estudio inéditos hasta entonces en dichas tierras, “Lady Nina” y “Freaks”, además de tres temas en vivo registrados en el Hammersmith Odeon, Enero de 1986.

El cuarto trabajo de estudio y último con Fish como vocalista recibe el nombre de ‘Clutching At Straws’. Fue producido nuevamente por Chris Kimsey; grabado en los Westside Studios, London; y lanzado en Junio de 1987. Marillion se encontraba atravesando tiempos turbulentos, ya que la relación entre el cantante y el resto de los integrantes de la banda se deterioraba cada día un tanto más, debido a los lineamientos generales a seguir pretendidos por uno y otros.

‘Clutching At Straws’ tal vez sea, el más autobiográfico de los escritos por Fish junto a Marillion, ya que en él relata, tras la historia de Torch, (un personaje creado por Fish y por qué no su alter-ego) gran parte de sus vicios y vivencias por aquel entonces. El primer Single de ‘Clutching At Straws’ fue el tema “Incomunicado” y en su Lado B contenía una interesante versión de la canción “Going Under” con un sentido solo de guitarra de Steve Rothery bien diferenciado al del álbum original. Desde el punto de vista musical, puede considerarse a ‘Clutching At Straws’ como continuador del bien logrado ‘Misplaced Childhood’, pero su contenido político fue tema de discusión en el seno de la agrupación. Como lo fue también el tema “White Russian” que contiene una de las letras más políticamente comprometida de las escritas por Fish para Marillion. Su visión sobre el holocausto y la preocupación en torno al surgimiento del neo-nazismo en Europa del Este habría inquietado sobremanera al resto de los músicos, generando la duda acerca de la inclusión, o no, de dicho tema en el álbum. La portada del disco fue, nuevamente, ilustrada por Mark Wilkinson y recrea una lúgubre escena en la que aparecen algunas celebridades que han reconocido públicamente sus problemas de adicción. Un importante registro del tour de ‘Clutching At Straws’ puede apreciarse en el show que la banda dio ante 35.000 personas el día 18 de Julio de 1987 en St. Goarshausen, Freilichtbune, Loreley, Alemania; conocido como ‘Live From Loreley’ y editado en 2004 en formato DvD.

A finales de los años 90’s, EMI lanza magníficas reediciones remasterizadas de esta etapa de la banda en formato de álbum doble conteniendo versiones alternativas, demos y material extra. Si bien todos los álbumes son relevantes, ‘Clutching At Straws’ presenta un valor incalculable para los fans, ya que contiene en el CD II, demos de temas no incluídos en la placa original y que integrarían (de haber sido diferente la historia) el sucesor de ‘Clutching At Straws’ ó ‘el quinto álbum de Marillion con Fish nunca editado’, del que se sabe, la banda aspiraba fuese producido, nada menos, que por Bob Erzin, reconocido por su  trabajo junto a Pink Floyd, entre otras bandas.

El interesante compilado de 1988 ‘B Sides Themselves’ y el álbum doble en vivo ‘The Thieving Magpie’ ponen fin, al que muchos consideran el más cautivante de los períodos de la agrupación, el período inicial, los años de Fish con Marillion.

A comienzos de los años 80`s, cuando el movimiento punk había modificado el mapa musical y la música disco ó new wave se hacía escuchar, un puñado de bandas inglesas redefinieron el rock progresivo y convirtieron a un movimiento, que para muchos marchaba hacia la extinción, en un nuevo movimiento que aún hoy sigue creciendo. Marillion fue la más importante, de ese puñado de bandas.

Script For A Jester's Tear

Fugazi

Misplaced Childhood

Clutching At Straws

 autor: Neon / contacto: neon_polen@yahoo.com.ar

Que es nueve/octavos magazine..?

nueve/octavos magazine es una publicación independiente realizada por los socios para los socios del Club Oyentes de Rock Progresivo. Se trata de una revista que tiene como finalidad difundir la obra de agrupaciones de Rock Sinfónico & Música Progresiva, como así también las actividades desarrolladas en el Club Oyentes de Rock Progresivo.

La 'Edición 10º Aniversario' muestra en su portada a Peter Gabriel, introduciéndonos en una extensa nota que cubre su 'Small Place Tour' y repasa su carrera solista. Revivimos el monumental álbum 'Tales From Topographic Oceans' de Yes. Hacemos una mirada retrospectiva sobre el Rock Progresivo en los años 80's y repasamos los orígenes de Marillion y los años marcados por la presencia de Fish como vocalísta. Comentamos discos clásicos del género y lanzamientos recientes. Viajamos a las entrañas del Rock Progresivo para acudir al relanzamiento del mítico álbum 'In The Court Of The Crimson King', álbum debut de King Crimson. Reescuchamos 'A Nod And A Wink' el excelente último disco de Camel. Descubrimos 'Pure' el nuevo trabajo de estudio de Pendragon y su consecuente gira. Nos emocionamos con '13th Star' el disco de Fish que estábamos esperando. Compramos 'In Rainbows' el último trabajo de Radiohead que preferimos no bajar gratuitamente de la red y lo analizamos junto a 'Trisector' de Van Der Graaf Generator, 'Snakes And Arrows' de Rush, 'On An Island' de David Gilmour, 'Air' primer trabajo solista de Anneke Van Giersbergen y revelamos la singular belleza de la agrupación danesa Under Byen entre otra serie de notas que intentan hacer de nueve/octavos magazine una publicación atemporal, que merezca ser leída, releída y conservada como colección.

    

                               nueve/octavos magazine                             nueve/octavos magazine
                                     Diciembre de 2009                                       Diciembre de 2010

'Foxtrot' de Genesis, un disco imprescindible...

Genesis / 'Foxtrot'

Charisma, 1972

Watcher Of The Skies / Time Table / Get’Em Out By Friday / Can-Utility And The Coastliners / Horizons / Supper’s Ready: a) Lover’s Leap b) The Guaranteed Eternal Sanctuary Man c) Ikhnaton And Itsacon And Their Band Of Merry Men d) Hawe Dare I Be So Beautiful e) Willow Farm f) Apocalypse In 9/8 (Co-Starring The Delicious Talents Of Gablee Ratchet) g) As Sure As Eggs Is Eggs (Achings Men’s Feet)

Un Disco Imprescindible para comprender el Rock Progresivo

Un Gran Disco de 1972, ‘Foxtrot’ de Genesis: padre del rock teatral. ‘Foxtrot’ se convertiría en un disco trascendente e influyente sobre generaciones futuras. La formación clásica de Genesis estaba consolidada con los ingresos del nuevo baterista Phil Collins y Steve Hackett en guitarra para su anterior trabajo de estudio ‘Nursery Cryme’ de 1971. La banda necesitaba confianza y el éxito obtenido por ‘Nursery Cryme’ en algunos países como Bélgica, Francia e Italia deciden al productor Tony Stratton Smith a realizar una gira por Europa Continental, en la que Genesis pudiera recibir la veneración del público y sirviera como golpe anímico y de confianza a sus integrantes. Tres shows en Bélgica los días 14, 15 y la memorable presentación del 16 de Enero en ‘Charleroi Festival’, Bruselas, abren el camino, y el éxito alcanzado por dichas actuaciones les permite hacer algunas presentaciones en TV como las del 20 de Marzo en ‘Rock Of The 70’s’ ó la del 21 en ‘TV Studios Pop Shop’.

El resultado no pudo ser mejor, Genesis compone su cuarto trabajo de estudio llamado ‘Foxtrot’ que será grabado en los estudios Island de Londres durante los meses de Agosto-Septiembre, editado con etiqueta del sello Charisma en Octubre de 1972 y producido por David Hitchcock y John Burns (aunque éste último figure solamente como ingeniero en los créditos). El paisaje Napolitano inspiró al tecladista Tony Banks y al bajista Mike Rutherford para componer la letra de “Watcher Of The Skies”, tema que abre la placa con toda la fuerza del melotrón creando una atmósfera imponente y narra la llegada de un ser extraterrestre y su encuentro con un mundo devastado. ‘Guardián de los cielos, Guardián de todo. Su mundo es solitario, ningún mundo es suyo. El, a quien la vida no desea sorprender, alza sus ojos contemplando un planeta desconocido. Las criaturas formaron el suelo de este planeta. Ahora su reino toca su fin. ¿Ha destruido la vida una vez más a la vida? ¿Juegan en otro lugar, conocen algo más que sus juegos infantiles? Quizás el lagarto se haya desprendido de su cola. Este es el fin de la larga unión entre el hombre y la tierra.’. Un paisaje desolado era observado, en él se hallaban pautas de vida, pero ni un solo ser humano se encontraba. La temática tratada por Genesis en las letras de sus canciones lo convierte en uno de los grupos intelectuales de la escena de rock sinfónico & progresivo. Mitología, historia y ciencia ficción eran la filosofía musical que el grupo estaba exteriorizando. Los relatos que Peter Gabriel acostumbraba desarrollar entre tema y tema durante los shows eran una marca registrada, así también los atuendos, maquillajes y personificaciones que el cantante elaboraba para sus performances. Los intrincados pasajes instrumentales y la influencia de música clásica hacían de Genesis una banda reveladora. “¿Qué es esto, una banda pesada completamente derivada? Genesis es un grupo brillante… Tomaron todo lo mejor de aquellas bandas pesadas y lo unieron de una manera que los hace sonar frescos, excitantes y diferentes hasta el punto de la originalidad total. Por supuesto que ayuda el hecho que son músicos increíbles…” la sabia palabra de Keith Emerson publicada en la revista Fusion en Julio de 1972 daba el espaldarazo a la agrupación. “Time Table”, segundo tema de la placa, describe una época romántica de reyes, caballeros y héroes perdidos de manera casi barroca. ‘Una mesa de roble grabada cuenta la historia de los tiempos cuando reyes y reinas bebían vino en copas de oro y los valientes conducían a sus damas desde las habitaciones a las glorietas. Una época de valor y leyendas nacidas. Una época en que el honor importaba a un hombre mucho más que su vida. Y los días solo conocían la lucha por discernir el bien del mal con lanza y espada.’. “Get’Em Out By Friday”, desde el reclamo de su título, narra una historia de ciencia ficción futurista en la que el control y manipulación genético determina la reducción en el tamaño de la especie humana con la inescrupulosa finalidad de alojar mayor cantidad de inquilinos en los condominios. “Échalos antes del Viernes” es una reflexiva y brillante forma de denuncia social provocada desde el arte, en la que diferentes personajes y situaciones son magistralmente interpretados por Peter Gabriel que convierte a la canción en un tema absolutamente visual. “Can-Utility And The Coastliners” es una particular visión de King Canute que lleva en sí, el juego de palabras tan propio de las composiciones de Peter Gabriel. Peter toma la leyenda del soberano que reinó durante 1016-1035 Inglaterra y Dinamarca y juega con la ambigüedad propuesta por dicha leyenda. La de un Rey a quien se le atribuye poder gobernar hasta las fuerzas del mar con su desmedido ejercicio de poder, ó emplazar su trono en la playa y ser devorado por las aguas en su intento por demostrar que no era el amo de los mares como afirmaban sus aduladores. Como muchas de las composiciones de Genesis, “Can-Utility And The Coastliners” emerge de ideas previas que la banda tuvo dando vueltas durante algún tiempo y es posible reconocer en el tema “Bye Bye Johnny” la simiente de la que luego fue “Can-Utility And The Coastliners”, tema con que concluía el Lado Uno del vinilo original.

Posteriores transferencias a CD permiten apreciar en plenitud este disco imprescindible para comprender el rock progresivo. En 1994, Virgin Records lanza en Europa una versión Remasterizada Digitalmente que reproduce en miniatura el arte del vinilo original. En tanto, una Edición Remasterizada SACD/DVD 5.1 Dolby Surround fue lanzada en el año 2008 en un pack de disco doble que incluye entrevistas realizadas a los integrantes de la banda, quienes re-visionan el álbum, y suma clips del año 1972 de presentaciones en Bélgica e Italia.

La pieza introspectiva titulada “Horizons” (un breve instrumental inspirado por Johann Sebastian Bach y con alguna influencia de “Canción de Cuna” del compositor cubano Leo Brouwer) es tocada en guitarra acústica por Steve Hackett y funciona como preludio de la suite de casi 24 minutos de duración titulada “Supper’s Ready” en el Lado Dos del vinilo. Acerca de “Horizons” Hackett recuerda su trabajo junto a Bob Potter (quien estuvo al frente de la producción del disco durante apenas una semana, previo a la llegada de Hitchcock y Burns) y reconoce el buen trabajo hecho por Potter; “Creo haber sido el único que se llevó bien con Bob durante su trabajo en ‘Foxtrot’. Toqué “Horizons” en una acústica Yamaha y no nos llevó más de cuatro tomas grabarla a pesar de tratarse de una guitarra para hacer rasguidos más que para tocarla como clásica, creo que hizo un interesante trabajo de producción en ella”. Integrada por siete partes “Supper’s Ready” es el más ambicioso tema de la banda inglesa. Acerca de la temática de su letra se han conjeturado varias interpretaciones. El propio Gabriel la definió como la eterna lucha entre el bien y el mal desde la visión de dos amantes, nacida de una particular experiencia vivida junto a su esposa Jill, y se sabe que Peter concluyó en la lectura del libro bíblico del Apocalipsis como inspiración final. Musicalmente, “Supper’s Ready” nace de la combinación de muchas ideas diferentes, según cuenta Tony Banks, y de la unión de “Willow Farm” con “How Dare I Be So Beautiful?” piezas que sirvieron de base para componer el resto de la suite. La sección de “Apocalypse in 9/8” nace de una improvisación entre Tony, Mike y Phil a la que Peter agregaría voces y sobrevoces (sin el consenso de la banda) en solitario, en el estudio de grabación. “Sentí que estaba cantando desde mi alma, sentí que estaba cantando por mi vida” reflexionaba en su momento el cantante, mientras Tony Banks reconocería “En un principio me molestó que Peter cantara sobre el teclado, pero no me llevó demasiado tiempo darme cuenta que su trabajo era muy bueno, le agregaba dramatismo a una pieza increíble y sentí que el resultado era excelente, pienso que “Supper’s Ready” es la mejor canción que hemos hecho”.

La portada del álbum fue realizada por Paul Whitehead (quien ya había trabajado con la banda para los álbumes ‘Trespass’ y ‘Nursery Cryme’) y refleja gran parte de las letras de las canciones. Peter Gabriel haría suya la imagen de la mujer-zorra de la portada y la llevaría a escena, expresando el concepto de ‘Rock Theatre’ con el que la banda sería identificada, y provocando un acto de enorme impacto sobre prensa y público que hicieron inmediatamente eco de ello. Genesis aportó a la escena de rock un surrealismo nunca antes expresado. Peter Gabriel salió a escena luciendo un vestido rojo y la cabeza de zorro en el National Stadim Dublin, Irlanda, el 28 de Septiembre de 1972 y dicho acto le permitió ser portada de Melody Maker y de otras publicaciones musicales. Con ‘Foxtrot’, Genesis logra el ansiado reconocimiento en el Reino Unido y a pesar de concebir un álbum desmedidamente ambicioso y anticomercial ingresa al puesto 12 del ranking. ‘Foxtrot’ es el álbum que consolidó a Genesis como banda, mostró en esplendor el potencial individual de sus integrantes y por el que guardan un gran aprecio todos ellos. Definitivamente, ‘Foxtrot’ es un disco imprescindible que no debería dejar de ser oído por ningún oyente de rock progresivo, o bien dicho, por ningún oyente de buena música.

Personal:

Peter Gabriel; primera voz, flauta, pandereta, oboe.

Anthony Banks; órgano, melotrón, piano, piano eléctrico, 12 cuerdas, voces.

Michael Rutherford; bajo, guitarra 12 cuerdas, cello, voces.

Steve Hackett; guitarra eléctrica, 12 cuerdas y 6 cuerdas solista.

Phil Collins; batería, voces y percusión.